RIMA'S WEBLOG

Once Upon a Time in Anatolia

2012-01-23T22:32:00.000-05:00

Once Upon a Time in Anatolia
Nuri Bilge Ceylan（ヌリ・ビルゲ・ジェイラン）監督

久々に、つかみどころのない映画を見た。しかし、それはあくまで良い意味での「つかみどころのなさ」である。観終わった後もしばらく、「あの映画の意味はなんだったのだろうか」と考えずにはいられなかった。

今ではカンヌ映画祭などの常連となっているジェイラン監督。トルコの映画監督ではあるが、ヨーロッパ受けするタイプの映画を撮る人である（トルコもヨーロッパではあるが）。

暗い色調と静かでゆっくりとしたテンポが特徴的である。写真家でもあることから、どの画面も構図やライティングが完璧であり、実に美しい映像を作ることでも評価されている。

この監督の作品は出世作の『冬の街』（英題："Distance"；トルコ語題： "Uzak"）と、2008年に発表した『Three Monkeys（英題）』を見ているが、正直なところ、美しくも暗い画面と、重々しい雰囲気ということしか記憶に残っていなかった。どんなストーリーだったのか全く思い出せない。そしてあまりにもトルコっぽくないのである。何を持ってトルコっぽいというかは難しい問題だが、少なくともトルコで人気があるとはあまり思えない（ちなみに、一応、大学時代にトルコがらみについて勉強したことがあります。。）これが、ロシア人だったらかなり納得させられるのだが。

ハイアートな美しい映画を作ることは素晴らしいと思いつつ、あまりにもヨーロッパの映画祭を意識した作風をそこまで好きになることはできなかった。

しかし、新作の『Once Upon a Time in Anatolia』は、スタイルを保ちつつも、過去の作品とは少し違った作品となっている。

いわゆるロードムービーではあるが、かなり変わったロードムービーである。物語は、三台の車が夜の田舎道を走っているシーンから始まる。車に乗っているのは、捜査官、検察官、容疑者、医者など。どうやら殺人事件が起こり、その死体を埋めた場所を探している道中、というのはわかるのだが、それがどういう殺人事件なのか説明されることはない。事件当日、容疑者は酔っぱらっていたためか、埋めた場所をはっきりと覚えていなく、数カ所を巡ることになるのだが、その道中で登場人物が話すのは、殺人事件についてではなく、食事の話に始まり、健康、家族、村の政治、そして死や自殺などと、取り留めのない話ばかり。

死体遺棄した場所を見つけることはできたものの、殺人事件の真相は最後まではっきりせず、逆にますます謎が深まるだけである。しかし、殺人事件の内容はこの映画ではあまり重要ではない。世間話のような取り留めのない話がこの映画の全てなのである。

映画を見ていくと、医者と検察官に徐々に焦点が絞られてくる。そしてこの二人には何か暗い過去があるようだが、それが何かは全く明らかにされない。ぼんやりとほのめかされるだけである。しかし、そこから誰しもが抱える人生の不条理さや困難さが読み取られる。

この映画は一回観ただけでは何も分からない。だからといって二回観ればわかるかというと、きっとそんなこともない。ただ、もう一回は観ないとならないだろう、と思わせる作品である。

過去の作品と比べて、今回の作品が良かった点は、登場人物それぞれの性格が些細なところで明確に描かれているところだろう。また、所々にユーモアが含まれていて、作品にほどよい軽さが加わっている。また、トルコが抱える社会的な事象も会話の端々に垣間みられ、特殊性と普遍性がバランスよく混ざった作品になっている。

もう一度見に行かなければ。

Crazy Horse

2012-01-20T11:19:00.003-05:00

Crazy Horse
a film by Fredrick Wiseman
now playing through February 7th

Although he has changed nothing of his shooting style, "Crazy Horse" is very different from his other films. He completely switched to digital filming techniques: he used a HD camera and a non-linear digital editing software. This somehow has affected Wiseman's film style. Digital techniques allows him to make a very smooth film, without any abrupt transitions between scenes and cuts. But I realized that abruptness was part of the uniqueness of his films. In his past films, there were always gaps. And because of the gaps, the viewers had to watch in a more active way, interpreting the meanings and reading those gaps. Also the gaps show that what we are watching is just a film edited by someone else, which is not the reality. The viewers are not allowed to reach the world shot in the film completely. The gaps always bring us back to the world where we are now.

So I was a bit bewildered to see that he has made an 'ordinary' documentary film.

I really enjoyed the film, or maybe I should say, it was exiting to watch and know about Crazy Horse, the club. Their shows were hilarious. But I am not sure whether I can all this film as a Wiseman film...

Crazy Horse
フレデリック・ワイズマン監督
2月7日まで

ワイズマンの新作『Crazy Horse』が先日からFilm Forumで上映されている。

タイトルの「Crazy Horse」はフランス、パリにあるナイトショーで、芸術的なヌードショーで有名であり、観光スポットの一つでもある。ワイズマンは、1996年にコメディー・フランセーズの、2009年にはパリ・オペラ座のドキュメンタリー作品を発表しており、今回の作品はそれに続くパリ三部作の三作目になる。

インタビューを使用せず、ただ、観察するように撮影し、そこから作品を作り出すことで知られているフレデリック・ワイズマン。様々な題材を扱いつつも、基本的スタイルを変えることなく、ドキュメンタリー作品を作り続けている。82歳であるにもかかわらず、代わらず精力的に製作を続けているのは驚異的だ。

ワイズマン作品のうち大体半分ぐらいは見ているのだが（15本ぐらい）、今回の作品は過去の作品とはかなり違うという印象を受けた。何が違うのか。決定的な違いは、この前の作品までは16mmフィルムを使い続けていたのに対し、この作品ではHDビデオを使用している点だ。

今の時代、フィルムでドキュメンタリーを製作しているところは皆無である。コスト的にもフィルムを使うのとビデオを使うのでは全然違うし、それ以外にも、ビデオの方がドキュメンタリー製作にとって都合の良い面がいろいろある。またフィルムを扱うラボも閉鎖されてきているのも現状だ。

なので、ワイズマンがビデオに移行したとしても何の疑問もない。しかし、ビデオに移行したことによって確実にワイズマンの製作プロセスやスタイルに変化が生じている。特に、編集の仕方が違っている。以前の作品では、シーンの切り替わりがもっと「ぶつぎれ」な感じだったのに対し、今回の作品では音声をかなり操作しているためか、妙に滑らかになっている。「ぶつぎれ」はつまり、要素と要素の間にある「隙間」があることを意味しており、彼の作品においては、その「隙間」があるということが実は重要であった。「隙間」は、映画は単に映画でしかないこと、そして編集というものの本質、制作者の存在を表していた。また観客は、その「隙間」を埋めるように、シーンとシーンを結びつけなければならず、それは積極的鑑賞を必要とする。思考しながら見なければならない。しかし、その隙間が生じないように編集してしまうと、観客は「積極的鑑賞」をする必要はなく、ただ漫然と映画を見ればいいだけである。

粗さが失われたワイズマン作品は、意外と普通の作品だった。そしてこれが、今回見ていてかなりの違和感を感じた原因なのであろう。

映画の内容だが、題材のCrazy Horse自体がかなり面白いショーを見せているので、見ていて全く飽きない。実際にパリで見に行きたいと思うようになった。

ワイズマンの映画を楽しんだというより、Crazy Horseのショーを楽しんだという感じである。

Sarah Sze: Infinite Line

2012-01-14T21:18:00.000-05:00

It took so long to update this blog since the last time. I had a few unexpected problems from the end of last year and the beginning of this year, I was so preoccupied with them. One of the problems actually happened to my laptop! That's why I couldn't write anything for the blog.

Anyway. One of the exhibits I went to these days was Sarah Sze's show at Asia Society, titled "Infinite Line"

Sarah Sze: Infinite Line

@ Asia Society

on view through March 25, 2012

This exhibition features her new series of installations as well as some of her drawings and works on paper.

Sze is well known for creating poetic and lyrical installations assembling everyday materials. In her works, anything - notepads, pencils, credit cards, plastic cups - looks lively. By laying out each element carefully, she creates a unique world which mesmerizes the viewers.

Although it was still interesting, it might be a little bit disappointing show for people who are familiar with her work. Her new works looked less ambitious than previous works. For instance the piece at her gallery show in 2010 (see my past posting) was more powerful and mysterious. Or maybe I should say, I saw more organicity in her past work while I felt the new works were rather inorganic.

On the other hand it was nice to see her drawings and works on paper, which clearly showed her basic approach to art and to the world. One trivial thing connects to another which leads to another one again,

and those small connections create a new collective entity.

年末から年始にかけて色々と問題が発生し、なかなかブログを更新できない状況に陥っていました。そして、やっとブログを書こうと思った矢先、パソコンに不具合が生じ、修理に出すはめに。。。とはいえ、預けるのは数日で済み、今日無事生還しました。

その間もいくつか展覧会や映画は見ていたのですが、全てを思い出しながら書くのはさすがにできないので、印象に残ったものだけ書いていきます。

Sarah Sze: Infinite Line

@ Asia Society

3月25日まで

アジア・ソサエティでSarah Sze（サラ・ジー）の個展が開催されている。

Szeは文房具や紙コップ、クレジットカードやレシートなど、日常に身近な物を並べたり、組み合わせたりしながら、インスタレーション作品を作るので有名なアーティストである。中国系の血を引き、ニューキョークに拠点を置いている。

彼女の作品の中に使われている物はどれも見慣れたものであるにも関わらず、まるでいきいきとして見えるから不思議である。日常品をアートへ変換させるとは、まさにこういうことなのだろか、とさえ思う。

一つの物が別の物と繋がり、それがまた別の物と繋がり、そうした小さな繋がり続くことによって、新しい集合体を作り出し、それが新たな世界を形成している。制作の過程で、思い付きのように手元にあるものを作品の中に取り込むこともあるようだが、しかし思い付きだけではここまでの作品は出来上がらない。どこまで計算されて、どこまでが偶然なのかはわからず、それがまた魅惑的でもある。

彼女の過去の作品と比べると、正直、驚きというのはない。例えば、2010年のギャラリーでの個展で発表した作品の方がもっと野心的であり、また新たな事に挑戦していたように思う（過去の記事を参照）。個人的には、前の作品ではもっと「有機的」な印象があったのに対して、今回の作品はどこか「無機的」な感じてもあった。

今回の展示会ではドローイング等の作品も併せて展示されている。インスタレーションでの彼女のアプローチが同じようにドローイングでも明確に表れていて、それはそれでかなり興味深かった。

A Look Back at 2011

2011-12-31T00:21:00.001-05:00

Looking back at this year, I made a list of memorable films, exhibitions and others... based on my very personal opinions and impressions...

[documentary films]

Cave of Forgotten Dreams

Tabloid

Into the Abyss

This year there are several good documentary films. Especially it was very surprising to see two new films by Werner Herzog, Cave of Forgotten Dreams and Into the Abyss, within a year. Tabloid was a very entertaining film, I enjoyed it as a 'film', rather than as a 'documentary film.'

[films]

A Brighter Summer Day

Midnight in Paris

Certified Copy

Needless to say, A Brighter Summer Day by Edward Yang is a masterpiece, which was actually made in 1991 (but was US-premiered this year.) I felt lucky that I could watch this restored film at a theater.
Midnight in Paris by Woody Allen was the best among films made by American filmmakers this year, although it was filmed in Europe (For Woody Allen, Europe is now a great inspiration in recent years.) Certified Copy by Abbas Kiarostami was a mesmerizing and beautiful film.

[museum exhibitions]

Francis Alÿs: A Story of Deception @ MoMA & PS1

Harun Farocki @ MoMA

Cronocaos @ New Museum

Although I saw various museum shows throughout this year, few were striking and impressive. Two of the exhibitions I listed above were actually not art exhibitions, but one is a documentary filmmaker's retrospective, the other a show about architecture. Cronocaos was an eye-opening, informative and intelligent show. Regarding Harun Farocki, to be frank, I am not sure whether the exhibition was good or not, I simply loved his films... But it is true that it was a great introduction to his work which was barely known in the US.

The art exhibition I liked best this year was actually the retrospective show of Francis Alÿs at MoMA and PS1, although somehow I didn't write anything about this show on my blog... I loved Alÿs' humorous sysiphusean challenges, and I found his video art pieces very dramatic and cinematic. I guess most people would list Alexander McQeen's show or de Kooning's retrospective instead... (I didn't included them in the list just because I didn't 'fell in love' with those.)

[gallery shows]

The Clock by Christian Marclay @ Paula Cooper

Nick Cave: Ever-After @ Jack Shainman

The Clock was one of the most successful pieces this year (the debut was actually in 2010 in London though.) Christian Marclay was awarded the Golden Lion for this piece at the 2011 Venice Biennale. But, otherwise, there were few surprises from galleries in New York. (I listed Nick Cave's show since I personally liked his work.)

[book]

Project Japan, Metabolist Talk

This book about Metabolism, the avant-garde architecture movement in Japan, was a fabulous gift from Rem Koolhass and Hans Ulrich Obrist.

In addition, this year I read several books by Philip Roth which fascinated me a lot, such as Human Stain, American Pastoral and Nemesis (I didn't include them because none of them were published this year.)

Anyway... have a happy new year!

今年を振り返って、心に残った映画や展覧会などをまとめてみることに。（かなり個人的な好みに基づいているので、かなり偏っているが。。。）

＜ドキュメンタリー映画＞

Cave of Forgotten Dreams

Tabloid

Into the Abyss

今年は例年以上に良質のドキュメンタリー作品が上映された年だった（まぁ、仕事柄、人よりもドキュメンタリー映画を観る方だし、年々観る本数が増えているのも事実だが。）特に、ヴェルナール・ヘルツォーク監督のドキュメンタリー作品が二本も発表され（『Cave of Forgotten Dreams 』と『 Into the Abyss』)、どちらもそれぞれ異なるタイプでありながら、見応えがあった。エロール・モリスの『Tabloid』は、彼のスタイルを維持しながらも、エンターテイメント性のあるテイストに仕上げ、観ていて単純に楽しめた作品。

＜フィクション映画＞

A Brighter Summer Day

Midnight in Paris

Certified Copy

正確には今年の作品ではないのだが、アメリカで今年初公開された『牯嶺街少年殺人事件（英題：A Brighter Summer Day）』（1991年製作）は、今年観た中でやはり一番すばらしい作品であったし、おそらく今まで観てきた映画の中でもトップ5に入るかもしれないぐらい心に残る作品であった。今年の作品ということでいったら、ウッディ・アレンの『Midnight in Paris』が一番良かっただろう。近年のウッディ・アレンはヨーロッパから新しいインスピレーションを受け、また一味違った、それでも彼らしさのあふれる映画を作るようになった。嬉しい復活である。アメリカ以外の映画監督の作品ならば、キアロスタミの『Certified Copy』が文句なしに良かった。美しい作品。

＜展覧会（美術館）＞

Francis Alÿs: A Story of Deception @ MoMA & PS1

Harun Farocki @ MoMA

Cronocaos @ New Museum

展覧会も例年のようにそれなりに見ているはずなのだが、正直なところ、それほど圧倒されるほど感動した展覧会というのはなかった（まぁ、そんなに毎回感動していたら大変だが）。そして美術展覧会となると、なおさら思い当たらず。上に挙げたCronocaosという展覧会は建築がらみの展示であったし、Harun Farockiは映画作家・ドキュメンタリー映画監督である。

美術展に限ると、個人的には実はMoMAとPS1で開催されたFrancis Alÿsの個展が一番好きであった。（と、気付いたら、どういうわけかその展覧会のレビューをこのブログで書いていないのだが。。。）ビデオアートというより、パフォーマンス的な作品を記録したビデオが多く展示されていたのだが、そのビデオが予想していたより「映画的」であり、いわゆる映画よりもおもしろい映画じゃないか、とさえ思ったりした。ある種のドキュメンタリーでもあり、その予測不可能性で満ちていて、観ていてはらはらさせられた（まぁ、あの映像を見て、「はらはらさせられる」と思う人は少ない気はするが。。。）また同時に、映像の持つ「記録性」と「目撃性」が実はかなり強調されていて、いい刺激になった。

まぁ、おそらく一般的に良い展覧会というとアレクサンダー・マックイーン展とデ・クーニン展の方が上なのかもしれないけども（確かに素晴らしい展覧会ではあったけども、それなりのもともとの期待値がそこそこ高かったこともあり、感動するほどではなかったかな。）

＜展覧会（ギャラリー）＞

The Clock by Christian Marclay @ Paula Cooper

Nick Cave: Ever-After @ Jack Shainman

ギャラリー展となると、これまた今年はあまり印象的なものはなかったのだが、挙げるとしたらやはりクリスチャン・マクレーの『The Clock』だろう。そして、一般的にも、一番成功した作品ではないだろうか。今年のヴェネチア・ビエンナーレでこの作品を発表したマクレーは金獅子賞を受賞している。（Nick Caveの個展は、単に私が個人的に好きな作品だったから。）

＜本＞

Project Japan, Metabolist Talk

はやり今年の一冊は、レム・コールハースとハンス・ウルリッヒ・オブリストによる『Project Japan, Metabolist Talk』である。建築好き、もしくは日本建築に興味があるならば読まなければならない本だろう。そして読んで面白いし、刺激的でもある。コールハースとオブリストが「メタボリズム」という謎を少しずつ紐解いていく過程も読んでいて見えてくるので、それまた面白い。

フィクションならば、どういうわけか、フィリップ・ロスの本を今年は結構読んでいた（4・5冊ぐらい。。。）今年の新作はないのだが（最新のNemesisは去年発表された作品）。

それでは良いお年を。。。

Tinker, Tailor, Soldier, Spy

2011-12-29T21:56:00.000-05:00

Tinker, Tailor, Soldier, Spy
a film directed by Tomas Alfredson

"Tinker, Tailor, Soldier, Spy" is a film based on the novel by John le Carré. Although the film has been highly rated, I found it dull and bewildering. Especially for me and I believe people who haven't read the original novel, it is hard to follow the story of the film. I assume the original novel is a very complicated and hefty piece, it might be impossible to compress the whole story. I personally think the editing was really terrible...

Visually it is very beautiful and interesting. I like the smoky but stylish atmosphere.

『Tinker, Tailor, Soldier, Spy』（邦題：『裏切りのサーカス』）

トーマス・アルフレッドソン監督

ジョン・ル・カル著の小説『ティンカー、テイラー、ソルジャー、スパイ』を映画化した作品。（邦題は『裏切りのサーカス』というらしい。ちょっとださいが。）

かなり評価が高いので楽しみして見にいったが、正直なところ、いまいちだった。独特の雰囲気があり、ちょっとおしゃれな映像はとても気に入ったし、演技は良かったのだが、肝心の物語展開が複雑な上に、歯切れが悪いテンポで、見ていてあまりのめり込むということがなかった。特に、編集がうまくなく、見ていて気になることがいろいろあったり。時間内に収めるために、無理やり無駄な部分をそぎ落とそうとがんばって、話をまとめてしまったような感じである。（誰も気にしなかったのだろうか？それともそんな時間がなかったのか？しかし結構初歩的なミスをしているところもあるのだが。。。）

Pina

2011-12-27T11:21:00.000-05:00

『Pina』
ヴィム・ヴェンダース監督

2009年の夏に亡くなったドイツ人振付家、ピナ・バウシュ。この映画は彼女の作り出したダンスを見る最後の機会となる作品かもしれない。

長年交流のあったヴィム・ヴェンダースとバウシュは、ドキュメンタリー映画を製作しようと以前から考えていたが、彼女の美しいダンスを映像に残す術がないということで、なかなかそのアイディアが実現されることがなかった。だが、3D映像の技術が進歩してきたため、ヴェンダースは3Dでドキュメンタリー映画を作ることを決意し、そして2009年の秋から製作を始めるつもりでいた。

しかし、その製作が始まる前に、バウシュはこの世を去ってしまう。

バウシュが亡くなった直後、ヴェンダースはこのドキュメンタリーを企画を一度キャンセルしている。しかしダンス・カンパニーのメンバーからの強い要望もあり、製作を再開し、完成に至った。

一般的に、この映画は「ピナ・バウシュについてのドキュメンタリー」と形容されているが、「ヴィム・ヴェンダースと彼女のダンス・カンパニーのメンバーがピナ・バウシュに捧げたダンス映画」というのが一番しっくりくると思う。少なくとも、「ドキュメンタリー」という用語はあまり当てはまらない気がする。映画の大部分は、代表作『カフェ・ミュラー』や晩年の作品『フルムーン』などの様々なダンス作品から構成されているのだが、そのダンスも記録映像のように撮影されたものではなく、この映画のために踊られている。事前にダンサーの立ち位置、カメラの位置、フレームなどを決め、おそらくいくつかのテイクが撮影されていると思われているが、それはドキュメンタリーというより、まさにフィクション映画の撮影方法といえる。

ダンサーたちのインタビューも少し含まれているが、それぞれのメンバーはほんの数行しかコメントしていない。そのコメントから、ダンサーたちからバウシュがどれほど愛され、大きな存在であったのかは分かるのだが、その一方で、ピナという人物像も見えてこないし、彼女のダンスについての考え方というのもわからない。

また、個人的に3D効果は不必要だったと思う。3D効果からは、決して「臨場感」などは得られず、逆に、リアリティーが失われ、人工的な感じしか残らない。特に、3Dでは背景と人物が必要以上に切り離されて見える傾向があるので、なぜかミニチュアの舞台に人間が合成で置かれているようにしか見えないのだ。また3Dのカメラは速い動きには向いていない。水しぶきのような効果には向いているのかもしれないが、しかしこの映画ではあまり役に立っていない。むしろ3Dじゃない方が美しく見えたのではないだろうか。実際、通常の映像で見る予告編での方が良く見える気がした。

「ピナ・バウシュのドキュメンタリー」としては、この映画は失敗作だったといえる。特に、バウシュの作品を生で何度も見たことがある人や、ダンスを専門としている人にとってはかなり不満が残るものではないだろうか。

ただ、例えば、振付家個人のダンス・カンパニーの場合、その創設者である振付家本人が亡くなった後、カンパニーは実質的に二年しかもたない、と言う人もいる（マース・カニングハムが生前から、亡くなった二年後にカンパニーを解散させることを計画し、現に今年の大晦日のLegacy Tourでカンパニーは解散する）。形だけカンパニーが存続し続けたとしても、同じ内容や質を保つことは不可能である。カンパニーを指揮する人が変わった場合、その人物と創設者とはやはり別の人物であり、別のカンパニーへと変容して行く（ヴッパタール舞踏団が今後どのようになるかはわからないが）。それを考えると、この映画で見れるのは、まさにピナ・バウシュのヴッパタール舞踏団の最後の姿と言える。

また、この映画では、ダンサーたちが、まさにバウシュに捧げるように踊っている。そして同じような気持ちで彼らが踊ることはもう二度とできないのではないだろうか。この映像はピナ・バウシュが残した最後の作品と言えるかもしれない。

Nemesis by Philip Roth

2011-12-22T15:40:00.000-05:00

Nemesis
フィリップ・ロス著

去年、出版されたフィリップ・ロスの新作『Nemesis』（ネメシス）がペーパー・バックでも出たのでさっそく読んでみた。

物語自体はかなり地味なのだが、それが逆に彼の文章力の上手さを際立たせている。シンプルでありながら、読み応えがあり、そして最終的には、人間存在の小ささと神の存在について問いかける哲学的な作品に仕上げている。

第二次大戦中の1944年にニュージャージの小さな町でポリオが大流行する。当時はワクチンがまだ開発されておらず、瞬く間に次から次へと、子供たちを中心に被害が広がっていく。主人公バッキーは、兵役に就くことを志願していたものの、視力があまりにも悪いため、徴兵試験に落ち、戦争に行くことなく、児童公園の監督係として働いていた。責任感の強いバッキーは子供たちを病魔から守れない自らの無力さに悩む。パニックに陥った親たちから批判を受けたバッキーは、町を離れ、恋人のいる田舎のサマーキャンプへと向かう。カオスのような状況から抜け出し、楽園のような空間を楽しんでいたものつかの間、サマーキャンプにもポリオの魔の手が及ぶ。

真夏の暑い中、ポリオが徐々に拡大していき、町が少しずつ混乱に陥っていく様子、そして主人公の葛藤を、緊張感を持って描写されていて、何気ないところにもドラマがあり、どんどん物語に引き込まれていく。

物語は、数十年後、バッキーと再会を果たした、児童公園で遊んでいた子供の一人であったアーノルドの視点から書かれている。実は、その後バッキーもポリオを発病し、死には至らなかったものの、障害が残ってしまい、恋人も夢も全て諦めるはめになり、当時とは全く別人のようになっていた。しかし、運動神経抜群であったバッキーは子供の間ではまるで英雄であり、アーノルドの中ではその当時の彼の輝かしい姿が心に刻まれ、決して消えることはなかった。

ちなみに、タイトルの「ネメシス」とはギリシャ神話に登場する女神で、神の憤りと罰を表しているようだ。また、全く歯が立たない敵・ものごとという意味もある。

Project Japan, Metabolist Talks

2011-12-13T22:44:00.000-05:00

Project Japan, Metabolist Talks
by Rem Koolhaas & Hans Ulrich Obrist

This was a marvelous book.

Between 2005 and 2011, architect Rem Koolhaas and curator Hans Ulrich Obrist interviewed surviving members of Metabolism which is the first and last non-Western avant-garde architecture movement. Reading the interviews, you can learn about Japanese history and culture as well as the movement. You will find how ambitious the country was at the time, as well as Metabolism was. Metabolism was never a private project; rather it was a huge national public project.

『プロジェクト・ジャパン、メタボリズム・トーク』
レム・コールハース＋ハンス・ウルリッヒ・オブリスト著

建築家レム・コールハースとキュレーターのハンス・ウルリッヒ・オブリストが、2005年から2011年に亘ってメタボリズムのメンバーにインタビューを行い、「メタボリズムは何だったのか」を解き明かしていく。非西洋で起こった初めての前衛建築運動であり、そしておそらく最後の運動でもあるとされる「メタボリズム」。1960年代、終戦から高度経済成長期の過渡期に登場した若手建築家たちが、「メタボリズム」という名の下に、日本そして世界における新しい建築と都市のヴィジョンを提示した。しかし、70年代に入ると、メタボリストたちは別々の道を歩み、各自の建築・都市像を探求していった。また新しい世代の建築家たちが登場し、メタボリズムの考えとはまた異なる建築を提示していき、近年になるまで十分にメタボリズムについて再考されることは少なかった。

しかし、実はメタボリズムは壮大な「プロジェクト」であり、「現象」であった。インタビューを通して、建築だけではなく、その当時の日本の政治・経済・社会、そして日本独特の文化・歴史という様々な条件が揃って、初めてメタボリズムという運動が起こりえたということが浮かび上がってくる。

Sherrie Levine: Mayhem

2011-12-10T22:49:00.000-05:00

Sherrie Levine: Mayhem
@ Whitney Museum
on view through January 29, 2012

The Whitney Museum is now presenting an exhibition of the conceptual artist, Sherrie Levine. She is known for her "appropriation art," such as "After Walker Evans: 1-22" for which she just rephotographed photos of Walker Evans in a book and showed them as her artworks. Though her art, she keeps throwing questions to viewers: What is authenticity? Who is the author? And what is the original? Her art is also related to issues of art history, gender, beauty and values.

I usually don't like Sherrie Levine, or to be exact, her work is too intellectual, too academic, and too difficult for me. Her language is something that only a handful of professionals in the art field are able to understand. Although I can see how meaningful her work is, when I stand in front of her art pieces I often feel that I am being tested if I am knowledgeable and intellectual to get her art - and her art is always beyond me.

Having said this, I actually enjoyed this Whitney's exhibition. It was beautifully installed. The artist herself designed it, and carefully lit her works in an even way rather than using spotlights.

For instance, two large grand pianos were in a quiet room, and on each of them "Newborn (After Constantin Brancusi)" was placed. While both of pianos and "Newborn" (it looks like a crying newborn baby's head) connote 'sound,' it was so silent and static in the room, which was very poetic.

In one of the rooms, the sculpture/installation piece "La Fortune (After Man Ray)," which is inspired/derived from Man Ray's painting, is exhibited. Coincidentally, the original painting by Man Ray is shown in another exhibition titled "Real/Surreal" at the Whitney. This is a very rare chance to actually compare those two works.

Sherrie Levine: Mayhem

@ ホイットニー美術館

2012年1月29日まで

ホイットニー美術館でコンセプチュアル・アーティストのシェリー・レヴィーンの展覧会が開催されている。展覧会タイトルの『Mayhem』は「破壊行為」という意味。

シェリー・レヴィーンは80年代、シンディー・シャーマンやリチャード・プリンス、ロバート・ロンゴといったアーティストらと共にアート界に登場した。レヴィーンは、「アプロプリエーション」と呼ばれる、既にあるイメージを自分の作品として取り込む手法で知られたアーティストでもある。彼女の最も有名な作品は、アメリカを代表する写真家ウォーカー・エヴァンスの写真集の中の写真をそのまま複写し、自分の作品として発表した『After Walker Evans: 1-22』である。彼女は、そうした行為を通して、オリジナルとコピーの違いや作家性について問いかけようとした。また、彼女の作品は美術史やジェンダー、価値といった問題にも関係していることが多い。

「アプロプリエーション・アート」の代表的なアーティストではあるが、しかし、シェリー・レヴィーンの作品を好きだという人はあまりいないだろう。彼女の作品はあまりにも難解であり、あまりにもアカデミックであり、あまりにも頭でっかちなのだ。レヴィーンの作品を抵抗なく楽しめるのは、よほどの美術知識を備えた専門家ぐらいではないだろうか。解説なしで彼女の作品を理解することはかなり高度な技であり、また彼女の作品は理解しなければほとんど楽しむことができないのだ。私は専門的に美術や美術史を学んだことはないので、なおさら厳しい。彼女が頭の良い知的なアーティストだということは十分に分かるのだが、そればかりが全面に出てくる嫌いがある。ギャラリーなどで彼女の展覧会を数回見た事があったが、作品を目の前にした時、どうしても居心地の悪さを感じるのは、自分の知識や知性を試されているような気分になるからかもしれない。

ただ意外なことに、今回の展覧会は結構好きだったりした。というのも、美しく展示されていて、どことなくオーラが漂っていた。作品の配置などをアーティスト本人が決めたようだ。照明もスポットライトではなく、部屋全体が均等に、そしてほの暗い感じに設定するように決めたのもラヴィーン自身だという。

例えば、展示室の中央に、大きなグランドピアノが二台置かれ、その上にブランクーシの『Newborn』をクリスタルで作った作品が置かれている。それだけでもどこか詩的なのだ。『Newborn』は生まれたばかりの泣き叫ぶ赤ん坊の頭を捩っているのだが、泣き叫ぶ赤ん坊もグランドピアノもどちらとも「音」と関係している。しかし展示室には静けさしか漂っていなかった。（どうやら、あるコレクターが本物のブランクーシの『Newborn』の作品をグランドピアノの上に置いて飾っているのを雑誌等で見て、グランドピアノの上に作品を置くというアイディアを得たらしい。）

マン・レイ作の『La Fortune』という絵をもとに作られた、ビリヤード台を並べたインスタレーション作品『La Fortune (After Man Ray)』も展示されているのだが、偶然にもその基になったマン・レイの絵が下の階の展覧会でほぼ同時期に展示されている。二つの作品を実際に比べる機会というのはそうそうないので、面白い。

単に展覧会を見るのもいいが、無料ツアーガイドに参加すると分かりやすい。（ホイットニーのツアーガイドは金曜の夜でもやっているので、なんだかんだ行くとほぼ毎回参加している。）

Urbanized

2011-12-10T12:11:00.001-05:00

Urbanized
a documentary film by Gary Hustwit

"Urbanized" is the third film of a documentary series called "Design Trilogy" by Gary Hustwit who is known for the first film of the trilogy "Helvetica" (I haven't seen "Helvetica" yet.)

This film, as its title, is about architecture and urban planning. It covers various urban issues over the world, including New York, Detroit, Brasilia, Beijing, Stuttgart, Mumbai... etc, and introduces us how urban planners, architects and politicians have tried to solve those problems creatively. Sometimes they could provide very successful solutions, sometimes they just created another issues. The film tells us what "urban planning" is and how designing affects people's everyday life in a city.

The film is well made and very accessible. But it is very introductory. I felt like I'm watching an "Urban Planning 101." Each of the topics discussed in the film is very complicated and some of them can be a separate subject for a feature-lenght film. I enjoyed the film but I am not sure if I was really satisfied... or I can't remember what I learned from the film newly.

デザインをテーマにした三部作の三作目である『Urbanized』（「都市的な」という意味）が現在公開されている。ちなみに2007年に制作された一作目の『Helvetica』（フォントやグラフィックデザイン、特に「ヘルベチカ」というフォントに焦点を当てた作品）は話題になった（といっても見た事ないのですが。二作目の『Objectified』は存在すら知らなかったですが。）

この作品は、そのタイトル通り、建築や都市計画をテーマとしており、世界中や各都市の抱えていた／抱えている問題に対してどのような対策が取られてきたのかを紹介し、デザインが都市生活にどのように関係し、影響を与えているのかを紐解いていく。

分かりやすく作られていて、見やすい作品ではあるけども、かなり導入的な作品であったりする。取り上げられている問題それぞれがかなり奥の深い問題であり、一つを取り上げてみても、一本の長編作品が作れるほどである。一つの問題に割り当てられている時間は10分程度であり、分かりやすくコンパクトにまとめられているものの、やはり問題の本質にまで迫る事は出来ていない気がする。映画自体は楽しんで見ることができたが、観終わった後の満足度は意外とあまりなかった。

J. Edger

2011-12-06T22:11:00.000-05:00

J・エドガー
クリント・イーストウッド監督

クリント・イーストウッドの最新作『J・エドガー』は、初代FBI長官であり、36年に渡りその座に就いていたジョン・エドガー・フーヴァーの半生を描いた作品である。

FBI（アメリカ連邦捜査局）といえば、世界中の誰でも知っているような組織であるが、当初は弱小官庁の一つでしかなかった。そんな弱小組織を今あるような大きな影響力のある行政機関へ拡大させた人物がJ・エドガーであった。

司法省に入省した後、FBIの前身である捜査局（BOI）に配属され、1924年にはBOIの長官に任命される。当時、エドガーは若干29歳であった。

長官に就任するやいなや、すぐさま大々的な組織改革に取り組み、職員を大幅に入れ替えた。みるみるうちにFBIが改変していくと同時に、エドガーも権力を手に入れていく。しかしその一方で、FBIの公式記録とは別に、政治家や著名人の情報を非公式に収集し、時には恐喝したり、政治的圧力をかけるということも行っていた。

この映画では、エドガーの業績とともに、彼の知られざる私生活にも迫っている。生涯独身であったと同時に、彼の片腕であったクライド・トルソと常に行動を共にしていたため、同性愛者であるのではという噂が生前から流れていた。実際にトルソとは必ず毎日昼食を共にし、休暇も共にとることがあったという。また服装倒錯者であったという噂もあったようだ。実際には明確な証拠はないものの、この映画ではその方向で物語が作られている。（トルソが強くエドガーのことを強く想っているという設定になっている。）

この映画の見所はやはりレオナルド・ディカプリオの熱演であろう。彼の演技は一見の価値があるものの、しかし、映画としてはいまいちな出来となっている。物語は、晩年のエドガーが自伝を描かせるために、半生を振り返っていく、という作りになっているため、ナレーションが多い。多くの批評家から脚本の質の低さを指摘されているが、そのためか、どこかもたついた物語展開になっている（ちなみに脚本は『ミルク』の脚本を書いたダスティン・ランス・ブラック。彼自身、ゲイであることでも有名）。エドガー自身の視点から彼の半生が語られるため、映画の後半部分で、物語がかなりエドガーにとって都合いいように変えられていると指摘され、そこまでの話が覆される所があり、ある意味面白いのだが、それが十分に活かされていないのも残念である。

また、晩年のキャラクターを同じ役者が演じるため、役者たちは特殊メイクを施して演じているのだが、そのメイクがやはり違和感があるため、見ていて不気味なのも大きなマイナスポイントであろう。やっぱり気になってしまう。

クリント・イーストウッドならもっと良くできたのでは、と思う一方で、それなりに見応えのある映画であることは確か。

Maurizio Cattelan @ the Guggneheim

2011-11-29T12:31:00.000-05:00

Maurizio Cattelan: All
@ the Solomon R. Guggenheim
on view through January 22, 2012

The Solomon R. Guggenheim is famous for its beautiful building designed by Frank Lloyd Wright. But at the same time, the building is also known as one of the most difficult museum spaces to present exhibitions.

Maurizio Cattelan, New York-based Italian artist, shows us a clever but provocative solution. Instead of placing artworks in the rotunda space, he decided to hang all pieces from the ceiling in the void.

He has turned this retrospective exhibition itself into an installation artwork. It is an impressive and fun exhibition, the viewers can simply enjoy it. But it is also very like a theme park. Is it the direction toward which art museums are heading? Individual pieces have been completely decontextualized although most of them usually had very political and controversial concepts. The show was really entertaining and worthwhile to see it, and I assume the artist definitely knew what he was doing and how this show would be criticized. Maybe he intended to make fun of or criticizing the museum by making it look like a theme park. Or simply wanted to celebrate his resignation from the job of making art?

来年1月22日まで、マウリツィオ・カテランの個展がグッゲンハイムで開催されている。

ニューヨークのグッゲンハイムは、フランク・ロイド・ライト設計のその美しい建築が有名だが、同時にその独特の形をした建物ゆえに、展示が難しいことでも知られている。そもそもアート作品は展示空間にかなり左右されるものではあるが、このかなり主張が強い建物で展示するとなると、どうやって展示するかがかなり大きな問題となってくる。良い物も悪く見えることもしばしばで、アーティストもキュレーターも皆、この建物での展示に悪戦苦闘しているようである。

ニューヨークに拠点を置くイタリア人アーティスト、カテランは挑発的な作風で知られているが、今回、カテランが考えた解決法は彼らしい奇抜なものであった。通常は螺旋状になっている展示室に作品が配置されるのだが、彼はその螺旋状展示室に作品を一切置かず、代わりに建物中央の吹き抜け部分に全ての作品を天井から吊るすという方法を考えだした（まぁ、蔡國強展などでも中央に作品を吊るすということはやっていたので、吊るすという方法自体は珍しくはないのだが）。

個展というよりは、この展覧会そのものの自体がインスタレーションアート作品となっている。作品が全て吹き抜けに吊るされているというだけでも、かなりインパクトはあるし、見応えもある。ただ、「楽しいだけ」の展覧会というのは良いのだろうか、という疑問も出てくる。あまりにテーマパークのようになってしまっているのだ。それぞれの作品は元々かなり政治性が強いものだったのだが、そうしたコンセプトや背景というものが一切失われ、ただの「奇妙な物」でしかなくなっている。まぁ、おそらくカテランはそうしたことを十分に理解した上で、あえてこうした展示にしたのだとは思うのだが。もしかしたら、今日なんでもありの美術館、特に美術界の権威でもあるグッゲンハイムという美術館を皮肉っているのかもしれない。もしくは、単に、自分の引退を（カテランは近々、美術界から引退することを表明している）祝うお祭り騒ぎをしたかったのかもしれない。

A Brighter Summer Day

2011-11-27T11:54:00.001-05:00

牯嶺街少年殺人事件（英題：A Brighter Summer Day）
エドワード・ヤン監督
@ Elinor Burin Munroe Film Center (Film Society of Lincoln Center)
11月25日〜12月1日まで　2:00pm & 7:00pm

「映画ってこんな素晴らしいだ」と思えるような作品はそうそうない。映画狂とまではいかなくとも、それなりの数の映画をこれまで観てきたが、「傑作」と呼ばれる作品であっても、そこまで深く衝撃を覚えるということは数えるぐらいしかない。しかし、このエドワード・ヤン監督の『牯嶺街少年殺人事件』（クーリンチェ少年殺人事件）を観て、久々に映画の持つ奥深さを痛感した。

『牯嶺街少年殺人事件』は1991年に制作された作品で、映画ファンの間では名作として知られていおり、長い間観たいと思っていた作品の一つだったが、なかなか観る機会がなかった。それが、2009年にマーティン・スコセッシ創設の組織、World Cinema Foundationからの資金を受けて修復され、新しい35mmフィルム・プリントが作られたらしい。この作品がアメリカで劇場公開されたことはなかったらしく、今回がアメリカでの初上映となる。

傑作と言われる一方で、なかなか観る機会がない理由の一つは単にその長さのせいかもしれない。4時間近くあるのだ。映画好きとはいえ、4時間ある映画を観るにはそれなりの覚悟がいる（ちなみにどうやら、劇場公開版の3時間ぐらいのものもあるようだが、私が今回観たのはディレクターズ・カットの4時間版のものである）。しかし、実際に観てみると、その4時間という長さが全く長いと感じることはなかった。確かに、物語はかなり淡々と静かに展開していくのだが、描かれているものが濃く、むしろ4時間でよく収まったと思えるぐらいである。

この映画は、1960年代に実際に台湾で起こった中学生男子による同級生女子殺傷事件を題材としている。第二次大戦後、多くの中国人が中国本土から台湾へと渡った。主人公スーの家族も上海から台湾へと移住してきた中国人であった。日本統治下に建てられた日本式家屋で生活をし、屋根裏を探せば日本兵が置いていった刀が出てきたりする。一方で、街中を戦車が走り、すぐ近くの演習場では連日うるさく銃砲が響く。国民党政府や秘密警察の監視の眼も厳しく光っている。そうした歴史・社会変動が日常生活にも深く刻み込まれている。政治的にも社会的にも不安定な状態が続く中、人々はなんとか自分たちの居場所を見つけ出そうと、不安を抱えながら手探り状態で生きていた。そうした大人たちの不安定な状態を映し出す鏡のように、子供たちは不良グループを作り、激しい縄張り争いを続けている。

主人公スーは、不運にも夜間学校へ入学することになり、不良グループたちとつるむようになっていた。そんな中で、スーはミンという一人の少女に恋をする。しかし、そのミンは不良グループのボスの彼女であり、スーはなかなか一歩を踏み出せないでいる。やっとミンと心が通じ合ったと思ったところで、スーは学校から退学処分を受けてしまう。普通学校へ編入すると決心したスーは、試験が終わるまでミンに会わずに勉強に励んでいたが、その間にミンが友人のマーと付き合いだしたという噂を耳にしてしまう。まっすぐなスーはその理不尽な思いを上手く吐き出すことができず、ふとしたことからミンを刺してしまう。

物語は、スーの恋模様や友人関係を軸に、スーの家族、そして不良グループの抗争などの話も織り交ぜながら進んでいく。原題にあるように「殺人事件」は登場するが、それは物語の中心では決してなく、あくまでも物語が辿り着く結果でしかない。むしろ映画の焦点は、台湾に生きる人々の姿であろう。そして、台湾の不安定な社会情勢と青春時代の多感で危うい少年の心の機微を見事に描ききっている。戦後台湾社会という特定な題材を巧みに描写すると同時に、一人の少年の姿を通して、物語を人生のもどかしさや不条理さという普遍的なテーマへと昇華させている。

主人公のスーを演じているのは、今では台湾のスター俳優であるチャン・チェン（『ブエノスアイレス』や『百年恋歌』にも出演）。本作がデビュー作なのだが、さすが、たたずんでいるだけで絵になる。シャイだけども真っすぐで不器用な少年を見事に演じている。撮影時まだ15歳ぐらいのはずなのだが、ただ黙っていても、その印象的な眼差しが多くを物語る。主演がチャン・チェンじゃなければ、この映画は成立しなかっただろう。ちなみに本作の父親役を演じているチャン・クォチューはチャン・チェンの実の父親。撮影にチャン・チェンを連れてきた時に、監督が起用を決めたらしい。兄役のチャン・ハンも実の兄のはず。

この夏にオープンしたElinor Burin Munroe Film Center

Satyagraha

2011-11-27T09:52:00.000-05:00

Satyagraha
@ the Metropolitan Opera

どういう風の吹き回しか、最近たまに音楽を聴くようになり、そして夏頃に妙にオペラが見たくて、いくつかチケットを購入していた。

先週末に見てきたのは、フィリップ・グラス作の『Satyagraha』。ガンディーの人生をテーマにした作品だ。歌詞は全てサンスクリット語なのだが、字幕があるだろうと思って内容を全く予習せずにいったら、字幕なしということで（舞台の奥に、たまに英語の文が映し出されたりはするけども）、内容自体は大まかにしか分からず。。まぁ、オペラは音楽を聴くものなので別にいいのだけども。

第一幕も第三幕も良かったが、個人的には合唱が多い第二幕の音楽が一番好きだったし、見応えが合った（フィリップ・グラスの曲はやはり合唱に向いていると思う）。巨大パペットが登場したりもして、演出もかなり凝っている。

でも、フィリップ・グラスらしさ満載の『Einstein on the Beach』の音楽の方がやはり好きだったり。（調べてみたら、どうやら『Einstein on the Beach』は来年あたりにリバイバルされるらしい。。。見に行かなければ。）

恥ずかしながらメトロポリタン・オペラに行ったのは初めてだったのだが、音響が思ったり良くなくて少々びっくりしたり（まぁ、かなり後ろ・上の方の席だったためかもしれないが）。4000席近くもあるので、大きすぎるのかもしれないが。むしろ数年前から始まったHDライブ・ビューイングなどで観た方が音は良いのかもしれない（てか日本でも上映しているのね。知らなかった。）

てか、やっぱり、オペラって長い。。。

John Jasperse's "Canyon" @ BAM

2011-11-25T13:27:00.000-05:00

John Jasperse "Canyon"
@ BAM

It was a big surprise for me that his new work was a return to dancing, which is very different from his past works. Although I personally loved his previous work and I realized that I didn't expect them to dance (to be very honest, I wasn't impressed by their dance so much), still it was a very fun to watch. The score was wonderful and the stage design (a white box drawing neon tapes on the floor throughout the performance, moving like R2D2) was very entertaining.

先週のことだが、ジョン・ジャスパースの新作『Canyon』を見てきた。かなり評判は良いものの、個人的には前作の方が好きだったり。今までの作品はあまりダンスに特化した作品ではなかったのだが、今回の作品はむしろ純粋にダンスを踊ることに回帰した内容になっていた。それ自体は全く悪いことじゃないのだが、改めて思ったのは、彼はあまりダンスで観客を魅了するタイプじゃないということ（まぁ、コンテンポラリーのダンスって、往々にしてダンスのテクニックだけで勝負する感じではないし）。それでも見せ方や演出の仕方は上手い。ステージデザインとして、中に人が入った白い箱がパフォーマンス中ずっと舞台上を動き回り、ネオンカラーのテープを床に貼っていく。その動きがR2D2のようでもあり、作品にいいスパイスを加えていた。

Into the Abyss

2011-11-20T18:53:00.000-05:00

Into the Abyss
a film by Werner Herzog

Herzog's latest documentary film is like the book "In Cold Blood" by Truman Capote. The film is about two men convicted of a triple homicide which occurred in Conroe, Texas. One of them, Michael Perry received a death sentence, while the other Jason Burkett received a life sentence.

The film is not for answering what happened and why this happened, and whether they are guilt or innocent. The filmmaker rather throw us a much deeper question. Herzog interviews Michael Perry and Jason Burkett through plexiglass in addition to survivors, witnesses and officials in law enforcement and corrections. Although he clearly states in the film that he is strongly against capital punishment, he never uses this film for advocating his political position. He listens to people's voices and looks into the darkest side of human beings.

Into the Abyss
ヴェルナール・ヘルツォーク監督

ヘルツォークによる最新作はまるでトルーマン・カポーティの『冷血』のような作品であった（『冷血』についての過去の記事はこちら）。

この映画はテキサスで起こった殺人事件とその罪により死刑が宣告を受けたMichael Perryと終身刑に服しているJason Burkettをめぐるものである。Michael Perryのインタビューは2010年7月1日に行われた死刑執行の8日前に撮影されている。

この作品では、受刑者の二人に併せ、被害者家族、受刑者家族、目撃者や事件を担当した警察官などさまざまな人にインタビューをしている。殺人事件についてのドキュメンタリー映画などというと、その事件の真相を解明したり、何が実際に起こったのか、またなぜそんな事件が起こったのかを明らかにしようとするものが多いが、この作品はそうしたものとは一線を画している。作品の中ではっきりと発言しているように、監督自身は死刑反対論者であるのだが（ヨーロッパは死刑を廃止しているので、全く自然なスタンスではあるが）、この作品はそうした政治的スタンスを主張したり、死刑反対を訴えるために作られたものでもない。むしろ、人間社会が抱える闇の部分を照らし出し、より深い決して答えが出ない問題を観る者に投げかけてくる。

もう一度見たい作品である。

Melancholia

2011-11-13T14:03:00.000-05:00

Melancholia (『メランコリア』)
ラース・フォン・トリアー監督

デンマークのラース・フォン・トリアー監督の最新作『メランコリア』を早速見てきた。

ラース・フォン・トリアーといえば、今年5月にカンヌ映画祭でこの映画を上映した際に、記者会見でヒトラーに共鳴するというような発言をしたため、映画祭側からペルソナ・ノン・グラータに指定されてしまったことが記憶に新しい。まぁ、もともと変人として知られているし、彼の過去の作品を見てもサディスティックな内容も多いので、そんな失言をしても不思議ではないとも思ったり。

日本では『ダンサー・イン・ザ・ダーク』などで知られているトリアー監督。「ドグマ95」といった映画方法論を確立したことでも有名で、現代デンマーク映画の評価を高めた人物である。とはいえ、ポスターや予告編が「おしゃれっぽい」にだまされて、この映画を気軽に見に行くのはあまりお勧めできない。というのも、この映画に限らず、トリアー監督の作品は気が滅入るようなテーマ・内容であることが多く、過激な描写が多い。この作品では、過激な描写はなく、また過去の作品と比べるとサディスティックさもないが、けっしてハッピーエンドではない。

過去の作品との大きな違いは、女性の扱い方にある。「ダンサー・イン・ザ・ダーク」や「ドックヴィル」のように、トリアー監督作品では、女性は、男性や集団から虐げられ、辱められる立場にあった。しかしこの作品では、男性たちは無力に右往左往するのみである。力を見せつけようとする者がいても、それは失敗に終わっている。逆に、女性たちはそれぞれに不安を抱え、懸命にもがきながらも、どこか内面に力強さを持っている。トリアー監督作品においては、新しいタイプの女性像が提示され興味深かった。

ちなみに、「鬱病の人は先に悪い事が起こることが予想でき、実際にそうした強いプレッシャーのある不安定な状況の中では他の人より冷静沈着に行動できる」という、セラピストから聞いたエピソードが基になっているらしい。それもあってか、鬱っぽい主人公が映画の前半と後半とでは全くの別人に見える。

＜あらすじ＞

映画は、まず象徴的な映像から始まる。映画の内容を要約したようなシーンを、ミュージックビデオのように仕上げている。花嫁がオフェーリアのように川に流されているシーンや、雨の中たたずんでいるシーン、また宇宙で惑星と惑星がぶつかる映像などが続く。

物語は一部と二部に分かれている。「ジャスティーヌ」と題された一部では、キルスティン・ダンスト演じる花嫁のジャスティーヌとアレクサンダー・スカルスガルド演じる花婿・マイケルが披露宴会場である城のようなお屋敷に到着するところから始まる。このシーンだけみていると、幸せにあふれる何不自由ない美男美女のカップルなのだが、それイメージが次第にずれてくる。ジャスティーヌの離婚した両親が公でお互いを批難し合ったのをきっかけに、ジャスティーヌは憂鬱な表情を浮かべ始める。シャルロット・ゲンズブール演じる姉・クレアから忠告を受けたり、花婿もなんとか機嫌を取ろうとしたりするものの、彼女の鬱は酷くなる一方である。披露宴の準備をした姉夫妻がなんとか披露宴を進めて行くが、それは成功とはほど遠いものであった。ジャスティーヌが心を開いてくれず、自分の無力さに落胆しつつ、また同時に彼女の突き放した態度に失望したマイケルは、破局をにおわせつつ、立ち去ってゆく。

二部の「クレア」は、披露宴から数日後の出来事を描いている。どうやらクレア夫妻は披露宴会場となったお屋敷に住んでいるようだ。そこに、鬱がますます酷くなったジャスティーヌがやってくる。クレアは必死に看病しようとするものの、一向に良くならない。そんなジャスティーヌの様子を横目に、クレアの夫で天文学好きでもあるジョン（キーファー・サザーランド）は地球に近づいてくる惑星メランコリアに興奮している。メランコリアが地球に衝突するという噂を心配するクレアだが、「そんなことはないと科学者達が証明している」と笑い飛ばすジョン。

メランコリアが地球に近づくにつれ、飼っている馬たちも落ち着かないようになり、そしてついには電気も止まってしまう。クレアの不安は高まっていくが、その一方でジャスティーヌは非常に冷静になっていく。メランコリアが地球を通り過ぎていくのを皆で観察し、クレアは安堵するが、翌朝、ジョンの様子がおかしいことに気が付く。実は、通り過ぎたと思っていたメランコリアが再び地球に近づいているのだ。これは「dance of death（死のダンス）」と噂されていたように、メランコリアは一度は地球を通り過ぎるものの、その直後に地球に再び近づき、そのまま衝突するということを意味していた。そのことに気が付いたクレアはジョンを探すが、ジョンはすでに睡眠薬自殺していた。不安で取り乱すクレアだが、冷静なジャスティーヌはクレアの息子を安心させるため、木の枝で「magic cave （魔法の洞窟）」を作り、その中で三人で手をつなぎ、最後の時を迎える。

de Kooning: A Retrospective @ MoMA

2011-11-09T21:36:00.000-05:00

de Kooning: A Retrospective
@ MoMA
2012年1月9日まで

MoMAの6階特別展示室ではウィレム・デ・クーニングの大回顧展が開催されている。オランダ生まれのデ・クーニングは22歳の時に渡米し、ニューヨークで活躍した抽象表現主義の画家である。

同時代に活躍したジャクソン・ポロックの方が名が知られているが、しかし当時のニューヨークで起こった抽象表現主義の中心的な存在だったのはむしろデ・クーニングであった。人嫌いなポロックに対して、デ・クーニンはいつも人の輪の中心にいて、カフェなどで仲間たちと美術議論を交わしていたといわれる。

しかし、ポロックはアクション・ペインディングやドリッピングというスタイル・技法を確立し、それが現在でも広く知られている一方、デ・クーニングは「女」のシリーズが知られている程度である。しかし実際のところ、デ・クーニングは同じ事を繰り返すのを嫌い、常に新しい絵画を目指した画家であった。もちろん、どの作品にも共通するような特徴は見られるものの、デ・クーニングは一つのスタイルに留まる事なく、ころころと作風を変えていった。「女」という彼の代表的なモチーフを扱う事は、彼のキャリアのうち何回もあったが、その一方で風景にインスパイアされたような抽象画もかなり多く描いている。それは、ドリッピングを確立してから行き詰まり低迷してしまったポロックと大きく異なる点でもある。また、それがデ・クーニンの研究がこれまで十分にされてこなかった理由の一つでもある。つまり、つかみどころがなく、簡単に要約できるようなアーティストではないのだ。この展覧会は、そうした彼の作風が次から次へと変わっていく様を見る事ができる初めての機会となっている。

デ・クーニングの魅力はやはり、スピード感のある力強い筆跡であろう。それは時には攻撃的にも見える。彼の代表作である「女」のシリーズでは、そうした攻撃的な筆遣いでモチーフである女性の姿形を壊して行く過程が、描く事で女性そのものを攻撃・破壊していく過程となり、最後には女性への愛憎が現れてきているようだ。個人的にはそんなこともあり、「女」シリーズはそれほど好きではないのだが、それ以外の絵画はもっと単純に楽しめる作品になっている。風景からインスパイアされたような作品も多く描いているが、そうした作品では筆跡も攻撃的というより、むしろ潔い印象を与える。また後期の抽象画では『Whose Name Was Writ in Water』や『Scream of Children Come from Seagulls』のような詩的なタイトルを付け、作品により深みを与えている。（ちなみに『Whose name was writ in water』は19世紀の詩人ジョン・キーツの墓石に掘られている言葉である。）

Members Night at MoMA

2011-11-06T13:35:00.000-05:00

昨晩、MoMAがメンバー限定に開館していた。一階ロビーでは、無料で飲み物も振る舞われ、かなりの賑わい。

多くの人は、ロビーで無料のお酒を楽しんでいたようだが、、、しかしむしろここは、人が居ないMoMAを堪能しないともったいない。

セザンヌ『水浴する男』

ピカソ『アヴィニヨンの娘たち』

ニューヨークの中でも屈指の観光名所の一つでもあるMoMAは、平日週末問わず常に混んでいる。特に、誰もが知っているようなゴッホやピカソの絵画の前では、いつも人だかりが出来ているので、静かにゆっくりと作品を楽しめる機会もなかなかない。なので絵の前もしくは展示室に一人っきりで作品を鑑賞するのはかなりの贅沢な一時だ。

マティス『金魚とパレット』

カンデンスキー

モネ『睡蓮』

ピカソ『絵を描く少女と室内』

久しぶりにこれほど静かにゆったりと美術鑑賞したので、かなり安らげた。（しかも実は数日前に親知らずを抜いたりして、いろいろと心身共にへとへとだったので、、、）

クラウス・オルデンバーグ

ドナルド・ジャッド

ちなみに現在、六階の特別展示室では、大規模なウィレム・デ・クーニンの回顧展が開催されている。デ・クーニンの作品は正直それほど好きなわけではないが、かなり見応えがある内容である。それについては次回。。。

About Looking by John Berger

2011-10-27T15:10:00.000-04:00

About Looking
John Berger 著

最近読んでいる本。視覚論とはそれほど関係ないが、動物と人間の関係から近代社会の姿を論じた『Why Look at Animals』が、予想外に面白かった。意外と読みやすい文体で、しかもそれぞれのエッセーが比較的短い。まだまだ読み途中。

If Buildings Could Talk

2011-10-25T00:00:00.005-04:00

If Buildings Could Talk
a 3D film by Wim Wenders

2010年のヴェネチア・ビエンナーレ建築展でヴィム・ヴェンダースが発表した3D映像作品（映画というより、インスタレーションとして展示されたらしい）を先日、見る機会があった。

Rolex Learning Center (Lausanne, Switzerland)

この作品はSANAAがデザインしたロレックス・ラーニング・センターを撮ったものである（ちなみにRolexがスポンサーとなって建てられたために通常「Rolex Learning Center」と呼ばれているが、スイス連邦工科大学ローザンヌ校の施設である）。

SANAAの建物の映像が3Dで見れるという事、しかもそれをヴィム・ヴェンダースが撮ったという事、そして建築ドキュメンタリー映像を3Dで撮ることの可能性、という三つの点から個人的にはかなり興味があり、そして結構期待していたのだが、正直なところ、、、かなりがっかりさせられた。

まず、それほど3D感がなかったところがいまいちであった。ヘルツォークの映画を見た時、その3Dの威力にかなり感動し、「これからの時代はドキュメンタリーも3Dへ移行するのだろうか」と思ったのだが（最終的にそうした作品は増えてくるだろうが、まだまだ3Dで撮るにはお金がかかるだろうし、そんな予算を集められるドキュメンタリー映画監督はなかなかいないので、まだそんな時代は来ないだろうが）、今回の作品の場合、あまり臨場感を味わえず（それは3D技術の問題なのか、今回の撮影対象の建築が不向きだったのかどうかわからないが）、あまり3Dで撮った意味がないように思えた。もし、建物の中に居るのとかなり近い感覚・体験が得られるのならば、建築のドキュメンタリーを3Dで撮る意味が出て来るのだろうが、この程度ならば、普通の二次元の映像と大差ない。

そして演出がかなり微妙というところ。特に、SANAAの妹島和世と西沢立衛がセグウェーに乗って、敷地を走り回るというシーンがあるのだが、なんだか不自然な演出すぎて失笑してしまった（しかも妹島さんは健気な感じで若干楽しそうに乗っている一方、西沢さんは無表情な感じというコントラストも笑える。）

また、タイトルの通り、建物がささやくという設定になっているのだが（まぁ「建物がささやいている」というより、単に「建物が語りかけている」ようなナレーションがあるだけなのだが）、それに耳を傾ける際に登場する人物たちが皆そろって、「目をつむり、呼吸をする」という演技をするのもかなり違和感がある。どう見ても、匂いを嗅いでいるようにしか見えないのである。建築についての映像なのに、建築を体感する演技として、なぜ「匂いを嗅いでいる」ような動きをさせたのだろうか。謎である。そしてナレーションの文章もいまいち。

やはりヴィム・ヴェンダースに建築についての映像を撮るというのが無理だったのではないだろうか。それとも、単にヴィム・ヴェンダースの才能が枯渇してしまったのか。
過去のヴィム・ヴェンダースが持っていた良さはどこにいってしまったのだろうか、と思うぐらい、面白味のない作品だった。確かにここ数年のウェンダースの作品は酷いものが多いし、彼の過去の作品が持っていた魅力はすっかり失われてしまったが、にしても、こんなことをしていたら彼のファン（特に昔の作品のファン）はがっかりしてしまうだろう。

ヴェンダースはピナ・バウシュの3Dドキュメンタリーを制作し、先日行われていたニューヨーク映画祭で上映されたようだが（おそらく一般公開は今年か来年）、もしかしたら、この映画もあまり期待しない方が良いのかもしれない。彼の昔の映画のファン、特にドキュメンタリー作品（『東京画』と『都市とモードのビデオノート』）のファンとしては悲しいことだが。ヴィム・ヴェンダースはもはや名前だけの映画監督なのだろうか。

The Skin I Live In

2011-10-22T23:58:00.000-04:00

The Skin I Live In
A film by Pedro Almodóvar
ペドロ・アルモドバル監督

The latest film by Pedro Almodovar "The Skin I Live In" is on screen from last week. This film is loosely based on "Mygale" written by Thierry Jonquet, French novelist.

This film might not be his best film, but is still a very beautiful and unique piece. Of course, some elements of the story are not quite convincing. In addition, the story itself is very controversial and there are a couple of shocking and painful scenes, which some viewers would reject.

However, Almodovar is a very unique filmmaker who loves "abnormality" and is willing to challenge taboos. His films are always about social minorities and controversial issues (and he himself is a social minority.) It is no wonder that some viewers hate his films (rather, it is weird that his films are appreciated by everyone...)

ペドロ・アルモドバル監督の最新作『The Skin I Live In』が先週公開された。

この作品はフランス人作家、ティエリー・ジェンケ（Thierry Jonquet）著の『Mygale』（邦題：蜘蛛の微笑）が基となっており、それがアルモドバル風にアレンジされている（もちろん原作を読んだ事はないので比べられないが）。

アルモドバルの過去の作品と比べると、やや物足りないものはあるが、それでも十分に面白い作品と言えるだろう。確かに、様々な設定があまり現実的ではなく（ちなみに物語の設定は「2012年のスペイン、トレド」となっている）、物語的にちょっと弱い部分もないわけではない。そして、近年の作品と比べるとショッキングな場面・要素があるので、いつも以上に拒否反応を示す人が出てきても不思議ではない。

しかし、アルモドバルはもともとアウトサイダー的な存在だった人物であり、常に社会的マイノリティー・「異常」な行動を題材に作品を作ってきた作家なので、たとえ物議を醸すような作品を作ってもそれほど不思議でもない。彼のこれまでの作品で扱われていた内容を見てみても、かなり特異なものばかりであるのだが、それにも関わらず彼の作品が人気があるのは、単にそうした微妙な問題を実に上手く扱い描いてきたからだろう。

見所は、主演のアントニオ・バンデラスの演技とその相手役を演ずるエレナ・アナヤの美しさだろう。アントニオ・バンデラスも気付けばもう50歳だという。見ていながら「アントニオ・バンデラスもすっかり老けたなぁ」と思ったが、実はその老け方も今回の役にはぴったりであった。彼が演ずるのは、妻と娘をそれぞれ不幸な形で亡くしてしまい、復讐に燃える外科医である。心の中では悲しみと復讐心と欲望がどろどろに渦巻いているのを、なんとか理性でコントロールしているという役柄を上手く演じている。（ちなみに、アントニオ・バンデラスはアルモドバル作品で映画デビューし、それ以降アルモドバル作品の常連となり、彼の映画作品によって名が知られるようになった俳優。）

（今回はあらすじは書かないでおきます。。）

The Kid with a Bike

2011-10-15T14:06:00.000-04:00

The Kid with a Bike
a film by Jean-Pierre and Luc Dardenne

The latest film by Jean-Pierre and Luc Dardenne "The Kid with a Bike" was screened at the New York Film Festival, which is taking place now.

Like the other films by Dardenne brothers, this film was heartbreaking and beautiful. Their films always have authenticity and look realistic more than any documentary films. Although the stories develop in a very slow and quiet way, there are always great tensions which attract the viewers.

For this film, the directors found a great talent. Thomas Doret, who plays the very complicated character Cyril, gave an amazing performance, expressing his deep sadness and quite anger in a very delicate way.

The Kid with a Bike （仏題：Le Gamin au vélo）
ジャン＝ピエール＆リュック・ダルデンヌ監督

現在、リンカーン・センター主宰のニューヨーク映画祭が開催されている。この映画祭は賞を競うようなコンペティションはなく、新旧さまざまな映画を紹介する映画祭である。

「メイン・スレート」と呼ばれる新作映画を紹介する部門で上映される作品は、どれも大物監督による作品なので、わざわざこの映画祭で見なくとも、一年も待てば劇場公開される（特に今年は例年以上に話題映画が揃っている）。上映後に監督によるトークやQ&Aがある場合が多いのが、それでもチケットがやや高めである（一枚$24ドル。）

それでもせっかくなので、せめて一つ二つは見てみようかなと思い、今回見てみたのはダルデンヌ兄弟の新作『The Kid with a Bike』。

ダルデンヌ兄弟は、カンヌで二度もパルム・ドールを受賞している実力派映画監督コンビである。どの作品も同様に素晴らしく、見応えがある。子供や若者を主人公とし、社会がかかえる問題を静かに浮き彫りにしつつ、その中で模索する人間の姿を描く作品が多い。彼らの作品を見て思うのは、やはりキリスト教的な思想が常に根底にあり、「いかに他者を許すのか」「いかに罪を抱えていくのか」ということが彼らのどの作品にも共通してあるテーマである。

それ以上に彼らの作品における最も大きな特徴は、ドキュメンタリー的な映画スタイルであろう。ドキュメンタリー出身でもあるようなので、その経験が大きく影響しているのかもしれないが、見ているとかなり「リアル感」がある。見ていると「ドキュメンタリー」以上にリアルな人間の姿が描かれているように思う。その「リアルさ」がものすごい「緊張感」を生み出し、静かで淡々とした物語展開をする一方で、その緊張感が観る者を惹きつける。

もちろん、こうした「ドキュメンタリーっぽさ」というのは実際のドキュメンタリー風に撮ればできるものではなく、彼ら独自の演出法があるのだろうし、また俳優の演技力によるものが大きい。この『The Kid with a Bike』の主人公・シリルを演じた少年の演技は素晴らしく、父親に捨てられた悲しみと静かな怒りを内に秘めた複雑な役柄を見事に演じている。他のダルデンヌ兄弟の映画でも常に言えることなのだが、この少年の演技がなけれこの映画は成立しなかっただろう。

そして「少年」と「自転車」という組み合わせがとてもいい。無力感と、それでもそれを乗り越えて前へ進もうとする少年を象徴するかのような自転車。街中を懸命に自転車をこいで走り抜けて行く少年の姿がとても絵になる。

あらすじ：
11歳のシリルは父親によって養護施設へ入れられ、そのまま見捨てられてしまう。しかし、父親が自分を捨てたという事実を受け入れる事ができず、なんとか父親を探し出そうとする。父親が売り払ってしまった自転車を見つけ出してくれた美容室を営むサマンサに助けられ、ついに父親に再会することができる。しかし、父親はシリルと再び暮らすことは全く考えていなかった。サマンサが里親となり、週末サマンサと過ごすようになるが、次第に近所の不良に目をつけられ、彼の手先となり強盗をすることになる。。。

NICK CAVE: Ever-After

2011-10-13T11:47:00.001-04:00

NICK CAVE

Ever - After
@ Jack Shainman Gallery + Mary Boone Gallery

Jack Shaiman GalleryとMary Boone Galleryの共催でNick Caveの個展が開かれた。Jack Shainmanでは10月8日で終了してしまったが、Mary Booneでは22日まで展示している。

Nick Caveは『Soundsuits』と呼ばれる衣装のような彫刻作品で知られるアーティスト。またアルヴィン・エイリーの下、ダンスのトレーニングを受けたダンサーでもある。美術館では彫刻作品として展示されるが、これらのSoundsuits実際に着て踊ることができ、Soundsuitsを使ったダンス・パフォーマンスやビデオ作品もある。Soundsuitsの名前も、着て動いた時に音が鳴ることに由来する。（ちなみにサイズは基本的に、アーティスト本人の身体に合わせて作られているらしい。）

写真を見た事は何度かあったが、実際に見てみるのは初めてだった。写真で見ていた時は、それほど興味なかったのだが、実際に見てみると予想以上に魅了されてしまった。不思議な世界観があり、「動いたらどんなキャラクターになるのだろう」と観る者の想像力を刺激する（ガチャピンとムックを思い出しつつ）。彫刻というより、アートとファッションとダンスの三つの分野にまたがる新しい作品。

@ Jack Shainman Gallery

@ Mary Boone Gallery

David Byrne: Tight Spot @ The Pace

2011-09-29T09:45:00.000-04:00

David Byrne
Tight Spot
@ The Pace Gallery (508 W 25th St)

The Pace Gallery is expanding. They acquired an empty lot which is next to their new gallery and directly underneath the High Line. For the inaugural show they invited David Byrne, artist and musician to present a public art installation. His piece titled "Tight Spot", an inflated gigantic balloon of the globe, seems to embody the Pace's ambition.

ペース・ギャラリーはまだ拡大していたらしい。つい最近、新しいギャラリースペースを増やしたと思っていたら、どうやらちょうどその隣の（そしてHigh Line公園の鉄橋の真下でもある）空地まで購入していたらしい。栄えある初回の展示はアーティストで音楽家でもあるDavid Byrneの作品。Byrneはここに、はち切れんばかりに膨れ上がった地球の風船を置いた。まるで拡大し続けるペース・ギャラリーの野心を体現したような作品である。

Richard Serra @ Gagosian

2011-09-29T09:14:00.000-04:00

Richard Serra
Junction / Cycle
@ Gagosian (West 24th Street)
on view through November 26th, 2011

James Casebere on "Landscape with Houses"

2011-09-27T20:00:00.000-04:00

This is the video I newly edited using the footage from my film project about James Casebere (The film project is actually almost done..., which will be very different from this video...) He talks about his work in this video.

James Casebereというアーティストについてのドキュメンタリーをずいぶん前からマイペースに作っているのですが（一応、ほとんど完成しつつありますが）、とある事情から、オンライン用の短いビデオを作る事に。一応ここにも載せてみます。

Leonard Retel Helmrich

2011-09-22T14:32:00.001-04:00

Position among the Stars

インドネシア系オランダ人ドキュメンタリー映画監督、Leonard Retel Helmrichの三部作『Eye of the Day』『Shape of the Moon』そして『Position among the Stars』がMoMAで上映された。（最新の『Position among the Stars』はHBOでも来週、放映されるようだ。）

インドネシアに住む三世代の家族の日常を追いながら、不安定な政治経済、変わりゆく社会の中で苦闘しながらも強く生きていく小市民の姿を描いている。インドネシアは、1968年から98年までスハルトの独裁政権が続き、経済も97年に発生したアジア通貨危機によって不安定化し、それ以降、失業率の増大や貧富の格差が大きな社会問題となっている。また、国民の75％以上がムスリム（イスラム教徒）であり、世界でも4番目にムスリムの人口が多い国でもある。

この作品の主人公たちは地方出身の下層階級に属するので、不安定な政治経済の影響をもろに受ける。またおもしろいのは、この家族の半分（特に中心的な存在である祖母）がマイノリティのキリスト教徒であることであろう。

第一部の『Eye of the Day』はちょうどスハルト政権が崩壊した90年代後半に撮影されており、その当時の混乱の様子が垣間みれる。特に選挙の様子は見応えがある。祖母のRumidjahがばらまき賄賂を受け取って、ころっと支持政党を変えてしまったりして、面白い。第二部では焦点がイスラム教の再興にも当てられている（2000年代前半に撮られているが、9.11直後からイスラム圏では「イスラムの覚醒」という現象が起こっている）。作品の中で、次男Baktiがムスリムの女性と結婚するために、キリスト教からイスラム教へ改宗する場面がある。第三部では孫娘Tariの成長を通して、教育、経済格差、宗教などの問題がより浮き彫りとなる。Tariが教育補助金申請（だと思われるが）をしに行った際に、面談でイスラム教の六信五行を答えられず、面接官から批難される場面がある。Tariはキリスト教徒のため、知らなくとも問題はないはずであるが、その事実を知ってか知らずか、面接官は「そんなことも知らないで、お金をもらおうと思うなんて傲慢」と嫌味をはく。（反面、この映画を見て、イスラム教のネガティブなイメージが助長されないか、ちょっと不安にもなったが。）

しかし、そうした社会的な問題が絡んでいない、ユーモラスでコミカルなシーンも多い。また、様々な小さなエピソードが積み重なっているタイプの映画でもあるので、三部作品それぞれ個別で見るよりも、全てを合わせて一つの作品として見てしまう方が良い気がする。三作品まとめてみると、マクロとミクロの両方の視点がよりはっきりし、大きな流れの中で（三作品合わせると、撮影期間は10年近くにわたるだろう）一家族に起こる微かな変化が徐々に浮き彫りになってくる。（例えば、第一部では、手を挙げれば電車がどこでも止まったのに対して、第三部では駅でしか電車が停車しなくなった、とか。登場人物が携帯電話を持つようになったとか。）

しかし、この作品、そしてこの映画監督の特徴は、テーマより、その撮影スタイルであろう。アンドレ・バザンの映画論に影響を受け、「Single Shot Cinema」という独自の器具と撮影手法を編み出したようだが、実に不思議なカメラワークである。むしろ、テーマ以前に、このカメラワークが大きな話題を呼んでいるといっても過言ではないだろう。（カメラワークで人を驚かせようとしている面もなきにしもあらずで、そうしたトリックが目についてしまうのも確かである。）なるべく一つのショットに映像を納めるために、常にカメラが動いているようにするのが目的のようだが、まるでカメラに羽が付いて、浮いているかのように動き回る。時には、普通では撮影できないような角度から撮られたり、不思議な動きをする。第一部で一番驚くべきシーンは、走っている列車の入り口に座り、外を見ている少年を撮ったところであろう。カメラは最初、上から少年をとらえるのだが、そのカメラはゆっくりと少年の正面へと移動する（つまりカメラは走っている列車の外に位置することになる）。第二部では鉄道橋の上を歩く男性を撮ったシーンが特筆すべき場面だ。カメラは飛んでいるかのように、男性の足下から、頭の上から、上空からと様々な角度へ移動する。第三部では、干してあった洗濯物を掴んで狭い路地を走り回るシーンが美しい。走り回る少年を前から後ろから上からと、カメラも走りながら追いかけて行く。スピード感がある映像で、ひらひらと洗濯物がなびく様子は、はっとさせられる。

見ていながら、果たしてこの映画はどこまでドキュメンタリーでどこまでがフィクションなのだろうか、と気になったが（完全にドキュメンタリーであのカメラワークをするのは、いくらなんでも不可能に近いし、登場人物がカメラやクルーの存在を気にせずに生活をさらけ出すというのも出来すぎている気もするので）、実はそんなことはどうでもいい問題であったりもするのだろう。結局、映画は映画であり、カテゴリーや手法といったことは大きな問題ではないのだから。

September 11 @ MoMA PS1

2011-09-21T13:51:00.000-04:00

September 11
@ MoMA PS1
on view through January 9, 2012

Their new entrance, which is still under construction.

PS1's new exhibition "September 11", which started on September 11, is a very unique show. As the title, it is about September 11, but not about artworks which have been created as direct responses and reactions. It is more about how 9/11 has altered our experience and thoughts, and about relationships between society and art. It is more about what curators can express through curating a show than what artists can express through creating art.

Most of the works exhibited in the show were made before 9/11. Many of them even don't have any political or social statements. But at the same time some of them have some connection to the event or something which would remind the viewers of it. The themes of some works are like self-sacrifice, destruction and faith. Sometimes images of old downtown appear. One piece - a beautiful sound installation piece by Janet Cardiff - were exhibited at the same gallery shortly after 9/11.

The biggest question for the curator in this show must be whether curators are allowed to give new meanings to artworks, and how much creative they are allowed to be. For instance, George Segal's white cast-plaster sculpture piece of a woman seated on a bench is placed in front of the gray power, which is atomized engine of a passenger airliner, spread over the gallery floor. In the background the glorious theme music of the movie "The Patriot" composed by John Williams is being played. And these three are in the show titled "September 11". This installation obviously has created completely new meanings which all of the artists themselves didn't intend at all. This does not always mean that the curator ignored the artists' intention, but he found some potency in each work, which the artists didn't notice. At the same time, this combination is very powerful and beautiful, and it clearly makes us think of 9/11.

In this show, the curator is not just a curator; rather he is more a orchestra conductor expressing himself and creating a new huge art piece through placing and combining artworks.

(By the way, I was not in New York City when 9/11 happened.)

Young Architects Program

September 11
@ MoMA PS1
2012年1月9日まで

9/11が起こってからちょうど今年で10年になる。それに併せ、MoMA PS1では『September 11』と題された展覧会が9月11日から始まった。

タイトル通り、たしかにこの展覧会は9/11についてのものではあるが、おそらく多くの人が想像するようなタイプの内容とは大きく異なる。「9/11についての展覧会」というと、あの事件を直接的にテーマとした作品などを連想してしまうが、むしろこの展覧会に展示されている作品の多くは9/11より前に制作されたものであり、テーマも直接的に関係ないものが多い。自己犠牲や破壊、祈りといった、何らかの形であの事件にも関連しそうなテーマを扱った作品や、写真や映像の中に過去のワールドトレードセンタービル周辺の様子がでてくる作品、もしくは飛行機やオフィス空間のイメージ、などと間接的なつながりが見いだせるような作品が中心である。そうした作品を9/11というコンテキストに置く事で、作品の違った側面を引き出しつつ、9/11の影響やその後の社会の変化などをアートを通して間接的に思考することが展覧会の趣旨となっている。

アーティスト中心の展覧会というよりは、完全にキュレーター（学芸員）中心の展覧会といいきれる。確かに、展覧会の質は、アート作品の質の問題というより、キュレーターの質に関わってくる側面はある。しかし、今回の展覧会はそれ以上に、いわば「キュレーターの表現」として展覧会が企画構成されている。まるでさまざまなアート作品を使って新たな作品を作っているオーケストラの指揮者のようである。キュレーター自身も考えたであろうが、この展覧会の抱える問題は、果たしてキュレーターはどこまで作品の持つ意味を変える事がゆるされるのか、そしてキュレーター自身は自己表現をして良いのか、であろう。アーティストの意向に全て沿うことが必ずしも正しいわけではないし、またアーティスト自身が気付かなかったような隠れていた要素を作品から引き出すのもキュレーターの役割でもある。

確かに、全く関係のないアート作品でも、「9/11」という枠組みの中に置かれると、不思議と「9/11」のことを連想させられる。また、作品の配置の仕方によってもかなり作品の見え方が違ってくる。展示室一面に粉末化された旅客機エンジンの粉が広がるその奥に、ジョージ・シーガル作のベンチに座った女性の彫刻が置かれている。そしてメル・ギブソン主演の映画『パトリオット』の「いかにも」といったテーマ音楽が流れている。こうした作品の組み合わせ方によって、本来の作品の持つ意味とは違ってきているものの、不思議とより訴えかけてくる作品になっている。

かなり見応えがある展覧会だが、おすすめはJanet Cardiffの音（コーラス）を使ったインスタレーション作品だろう。9/11が起こった直後に同じ展示室で展示されていたようだ。また地下にあるStephen Vitielloの作品（これも音の作品）も、展示室空間ともマッチして、おもしろいインスタレーションになっている。

Harun Farocki @ MoMA

2011-09-13T17:04:00.000-04:00

MoMA

Harun Farocki: Images of War (at a Distance)
@ MoMA
on view through January 2, 2012

MoMA is presenting a solo show of the Czech-born German-based filmmaker, Harun Farocki. Farocki has made various films, including documentary films, experimental films and essay films.

Embarrassing to say, I did know about him and his work at all until I saw this show. Some website introduces him as a "Germany's best-known unknown filmmaker."

His works are on the boundary between "video art piece" and "film." Some experimental films could fit in the category of "art," which might allow him to show his pieces as video/film art. But I assume he had few opportunities to show his documentary films at theaters, which must be one of the reasons that he has been an "unknown" filmmaker so long. Recently years, he seems to have shown his pieces in art spaces as artworks installing them in a more experimental way. Actually this is his first solo show in the United States.

Though I haven't heard of even his name as I wrote, I really wondered "why I didn't know this guy at all to date" when I looked at his work. His work was what really hits my spot.

The main pieces of this show are the series titled "Serious Games," which is about the computer game used within the context of military. One of them shows a young solder playing the game, another is about a made-up Middle East town in California where US solders gain simulative experiences, the other is a documentation of the demonstration of how the game is also utilized for therapeutic purposes.

These pieces were of course interesting, but what attracted me more were the videos which were viewable on the monitors put in the gallery. You can watch his past works there including short to long ones. If you are interested in alternative documentary films and if you have time, it is worthwhile spending time to watch some of his works. He has made various types of documentary films and any of them are very unique and beautiful.

Here are a short list of some films I loved: "In Comparison" which compares processes of block-making in several countries. "Transmission", which is also known at PS1 now as part of the "September 11" show, shows how people visit and touch monumental places and statues all over the world. "Still Life" is about craftsmanship superb craftsmanship in commercial photography, which probably cannot be seen any longer because of the emergence of Photoshop. I can't remember the English title, but the film about hands in Film History was a very unique essay.

MoMAの外観

Harun Farocki: Images of War (at a Distance)
@ MoMA
2012年1月2日まで

チェコ生まれ、ドイツ在住の映画・映像作家であるHarun Farocki（ハルーン・ファロッキ）の作品がMoMAで展示されている。

実験的な映像作品やドキュメンタリー映画、もしくは「エッセー映画」と呼ばれるような作品を長年制作している作家のようだが、恥ずかしい事に、私はこの作家の事を全く知らなかった。調べてみたところ、彼のことを「Germany's best-known unknown filmmaker（最も知られている無名ドイツ映像作家）」と形容して紹介しているサイトもあった。

彼の作品は確かに、「アート作品」なのか、それもとも「映画」なのか、はっきりとカテゴリーに分けられないようなタイプであったりする。30分以下の実験色の強い映像作品は「アート作品」として捉えられるかもしれないが、長編のドキュメンタリー作品などを見てみると、明らかにテレビで放送されるような「大衆性」というのは全くなく（ヨーロッパでなら放送されるかもしれないが）、劇場で公開するにしても、かなり客層を選びそうである。どうやらここ近年は、映画としてよりも、アート作品として映像インスタレーション的にギャラリーや美術館で作品を発表してきたらしい。

どうやら日本ではアテネフランセのようなところで特集上映されたようだが（かなり納得）、それでもいわゆる「映画」の分野では彼の作品を論じる人はいなかったと思う。アメリカでの知名度も低く、これが彼にとって初めてのアメリカにある美術館での個展となる（小規模の個展ではあるが）。

しかし、今回、彼の作品を初めて見て「私は今までなぜこの作家の事を知らなかったのだろう」と恥じるぐらい、実は私の好みとする作品を作る作家であった。

今回の個展でメインの作品として展示されているのは「Serious Games」と題された四つのビデオ作品である。アメリカ軍にて利用されている戦闘シミュレーション・コンピューターゲームについての作品で、一つ目の作品は兵士がゲームを使って戦場での体験をシミュレーションしている様子を撮ったもの、二つ目はカリフォルニアに作られた架空の中東都市でのシミュレーション訓練の様子、三つ目はゲームを利用したセラピー療法のシミュレーション（カウンセラーが帰還兵士になりきって、セラピーの様子を再現している）、四つ目はコンピューター・ゲームの仕組みや使われ方を説明しているものである。これらの四つのビデオがそれぞれ四つの画面（二つのスクーンがぶら下がっており、それぞれ両面に映像が映し出されている）に映写したインスタレーション作品として展示されている。アメリカなので、やはりこうした戦争がらみの作品をメインの展示作品として選んだのだろう。

この展覧会では、この作品とは別に、モニターが設置され、彼のこれまでの30作品ほどが自由に見れるようになっている。短いものは15分程度だが、多くの作品が45分から80分ぐらいの長編のものである。このモニターで数作品見てみたのだが、どれもかなり見応えがある。

見た中でいくつか気に入った作品についてふれたい。「In Comparison」は比較的新しく2009年に制作された作品で、ヨーロッパやインドそしてアフリカでのブロックおよびブロックを使った建築が作られる過程を比較するように撮ったもの。ナレーション等はなく、それぞれの過程を観察するように撮られており、10分ごとのセクションごとに、アフリカでは泥を型にいれてブロックを作っているところ、次はインドでのブロックの作っているところ、ドイツでのブロック工場の様子などが映し出されていく。それぞれの国でそれぞれの特徴があり、それぞれの驚きがあったりする。そして物の形が変わっていったり、人や機械が動く様子がきれいに映されていて、それだけでも見入ってしまう（まぁ、そういう映像が個人的に好きだったりもするのだが。。）

「Transmission」も比較的新しく2008年の作品。様々な国にある記念碑や銅像などに訪れる人々がどのように触れるのかを観察し比較した作品。個人的な悲しみを癒すため、宗教的な信仰心から、もしくは観光の記念として多くの人々が記念碑を触れていく。歴史と個人が交差する瞬間を捉えている。

「Still Life」は90年代の作品で、17世紀の静物画を引用しつつ、広告写真の撮影風景を観察した作品。まるで広告写真を「現代の静物画」と例えているようで面白い。チーズやビール、時計の広告写真を撮っている様子が見れるのだが、張りつめた緊張感のある中で、様々な技巧をこらしながら、美しい一枚の写真を生み出す瞬間を見る事ができる。今の時代ではおそらく、フォトショップで簡単にデジタル加工できてしまうので、こんなに苦労して広告写真を撮るなんてことはしていないだろう。

英語題は忘れてしまったが「Der Ausdruck der Hande」という作品は映画史における「手」に注目したエッセータイプの映画。モノローグ的に監督が語り、いろいろな映像を組み合わせるというタイプである（Chris MarkerやWim Wendersのドキュメンタリー作品とタイプが似ているだろう）。　

これら以外にも、ダイレクト・シネマ的なドキュメンタリーもあれば、よりもっと実験的な映像もあったりした。メインストリームには決して入れないようなドキュメンタリー作品が好きな人には見応えがある作品が揃っている。

（実は、彼の作品を見る機会はそうそうないだろうと思い、先日、半日ほど時間をかけて作品をいろいろ見てみた。ただ、異常なほど冷房が効いているので、身体がかなり冷えてしまう。それほど大人気の展覧会ではないが、モニターが二つしかないので、一度席を立ってしまうと、さすがに他の人に取られてしまい、モニターが空くのに40分ほど待つはめになったり。。それ以上に、半日も映像を見続けるのはかなり疲れた。）

A Talk by Yoshiharu Tsukamoto (Atelier Bow-Wow) @ BMW Guggenheim Lab

2011-09-13T12:10:00.001-04:00

先月、BMW Guggenheim Labについて書いたが（過去の記事）、そこでアトリエ・ワン（英語表記はAtelier Bow-Wow）の塚本由晴によるトークが先週木曜日に行われた。

アトリエ・ワンはこのBMW Guggenheim Labの会場スペースそして建物を設計デザインしている。なので、このLabのデザインとパブリックスペースのあり方についてが話の中心となった。

Guggenheim側から依頼されてこの企画の会場デザインしているのだが、どうやら、サイト選びの段階からアトリエ・ワンは参加していたらしい（サイトなど全てが決まった後に、美術館側が建築家を選定し、デザインを依頼したものと勝手に思っていたので）。市内を見て回り、様々な候補地の中から、最終的にこのサイトを選んだという。もっと川沿いのサイトやセントラルパークの中などいろいろと候補はあったらしいが、「街の中に位置し、また街並が変化している過程にあるローワーイーストサイドのこのサイトが最も相応しい」ということで、この場所に白羽の矢がたったようだ。

このサイトは、アパートビルの建物と建物の間にある狭小の空地なのだが、何十年も昔には隣に建つ建物と同じようなアパートビルがそこには建っていたようだ。20世紀前半にその建物の一部が崩れ、そして最終的には取り壊されたのだが、その後何十年もの間、空地として放置されていた場所だったらしい。

当初はこの場所に、いわゆる「ギャラリースペース」的な空間を建てる事をリクエストされ、また塚本自身もその方向で考えていたようだが、ニューヨーク市における建築・構造に関するルール上、いろいろな制限が加わり、思うように「建物」をデザインすることは難しくなってしまったため、発想を転換させ、「展示」のために使われる空間をデザインするのではなく、様々なことが起こる「多目的劇場スペース」のような空間を作り出すことにしたという。会場も「建物」があるというよりは、「枠組み」があるといった方がふさわしいぐらい、かなりオープンになっている。確かに、「劇場」という呼び名が相応しいように、天井部分はまさにステージの天井のようにも見える。天井はいわゆる収納スペースにもなっており、いくつかの大きなカゴがぶら下げられ、そこに椅子やテーブル、機材等が仕舞われている。一日の間にタイプの異なるプログラムがいくつも企画されているため、短時間でレイアウトを変える必要があるのだが、ここの場合、カゴを上げ下げするだけで、すぐに物の出し入れが出来るようになっている。

もう一つ興味深かったのは、そこの建物（と呼ぶのだろうか）の素材がカーボン・ファイバー（炭素繊維）を使っているということ。カーボン・ファイバーは通常は建築ではあまり使われない素材で、もしろ車などで良く使われているものらしい（なるほど。このスポンサーがBMWなのもそのためなのかもしれない）。ニューヨークでの会期終了後にはベルリンそしてムンバイへと巡回するために、この軽い素材は適しているだろう。

このラボの話に関連して、「パブリックスペースのあり方」についても話していた。まず彼の考えの前提・出発点としてあるのは欧米都市におけるパブリックスペースと日本、特に東京におけるパブリックスペースのあり方がかなり違うということであろう。ニューヨークなどでも、都市の中に置ける公園やちょっとしたスペースが「パブリックスペース」としてかなり有効的に機能していて、ちょっとした憩いの場となったり、ランチを食べたり、時にはイベントの会場として使われるが、確かに東京においてそれに相当する場所というと、あまりピンと来るところがない。

塚本氏が東京のパブリックスペースの例として出していたのは、「お花見」であり「屋台」であった。彼が考える「パブリックスペース」は「何かの行動を引き出す場」だという。桜の花が咲いて人が集まり酒盛りをしたり、屋台で他人同士が気軽に言葉を交わしたりすることが生まれる場、おそらく人々の交流を自然と引き出す力のある空間が彼にとって理想とする「パブリックスペース」なのだろう。最後の方では宮下公園のことにもふれており、東京でパブリックスペースを作る難しさを語っていた。

最後に、かなり余談だが、塚本氏の英語能力の高さには関心させられた。もちろん、ネイティブ並みとは言えないし、完璧というわけではないが、日本ベースの建築家でここまで英語でレクチャーできる人物はそれほどいないのではないだろうか。日本人建築家なりアーティストがニューヨークでレクチャーするのを何回か聞きに行った事があるが、英語圏事務所での勤務歴がない人で（ここ近年、アメリカの大学で客員教授をしているようだが）、何も見ずに自然と、時にはジョークを織り交ぜながら話せる人はいなかった（ニューヨーク在住でも英語が下手な人は多いし。。。）

Carlito Carvalhosa: Sum of Days

2011-09-05T20:47:00.000-04:00

Carlito Carvalhosa: Sum of Days
@ MoMA, Marron Atrium (2nd floor)
August 24th - November 14th, 2011

MoMA's atrium on the second floor is now covered with large white transparent curtains.

This is an installation piece by the Brazilian artist, Carlito Carvalhosa. The curtains are hung in spirals and visitors can walk in and through them. Between the curtains several microphones are also hung from the ceiling recoding the sound. On the walls in the atrium, there are several speakers which is playing the sound recorded in the previous day. Naturally a new recording is superimposed over the previous one, and eventually there will be accumulation of sounds throughout the exhibition period.

Between September 8th to November 10th, periodic musical performances are planned to take place within the installation.

Although some people have been criticizing this atrium space designed by Yoshio Taniguchi (I believe this space itself is very beautiful and attractive), recent years MoMA is making use of the atrium in an effective and beautiful way.

Carlito Carvalhosa: Sum of Days
@ MoMA, Marron Atrium (2階)
8月24日から11月14日まで

MoMAの二階アトリウムスペースではブラジル人アーティストCarlito Carvalhosaによるインスタレーション作品が展示されている。

アトリウム空間をすっぽり包み込むような巨大な白い薄いカーテン。二枚のカーテンは螺旋状に掛けられ、来場者はそのカーテンの間を通り抜けるようになっている。そのカーテンとカーテンの間の所々にマイクがぶら下げられ、その日一日の音を録音している。アトリウムの壁には、それとは別に、スピーカーが取り付けられ、そこからは前の日に録音された音が再生されている。そうすることによって、前の日の音の上に、その日の音が重ねられるように録音され、最終的には展示期間中に録音された音が何層にもなったものが出来上がる。（タイトルの『Sum of Days』は「日々の総和」という意味。）

9月8日から11月10日の間には、このインスタレーション作品内で、定期的に音楽演奏が行われるようである。

このアトリウムでの作品について書く度に同じようなことを書いている気もするが、ここ最近のMoMAはこの空間を上手く利用した作品展示を行っている。この作品も、なんてことない作品なのだが、この美しい空間によってより魅力的な作品となっている（もしくは、作品がこの空間の魅力をより引き立たせているのかもしれない。）

BMW Guggenheim Lab

2011-08-21T12:33:00.001-04:00

BMW Guggenheim Lab　（BMW グッゲンハイム・ラボ）
http://bmwguggenheimlab.org/
2011年8月3日から10月16日まで

BMWグッゲンハイム・ラボは、公共の場にラボ（研究室）を期間限定で設置し、様々なプログラムを通して、一般市民とともに都市生活について考える企画である。これから6年間にわたり、ニューヨークを含む世界9都市にこのラボが巡るという、かなり壮大な計画である。二年ごとのサイクルが三回あるようで、一つのサイクルにつき一つのテーマが設けられ、その二年間のうちに三つ都市を巡る事となる。第一回目のサイクルのテーマは「Confronting Comfort（快適さについての取り組み）」で、ニューヨークに加え、ベルリンとムンバイが開催都市となっている。第一サイクルが終わる2013年には、このラボでの研究結果がニューヨークのグッゲンハイム美術館で展示発表されることとなっている。

最初の都市となったニューヨークのラボは、ローワーイーストサイドの狭小な敷地に設置されている（Houstonと2nd Aveの所）。ラボのデザインは日本人建築家グループのアトリエ・ワン（英語ではAtelier Bow-wow）。建築をやっていない私からしたら、ただの枠組みがあるようにしか見えないのだが、おそらく特徴的なのは、いろいろな椅子なり機材なりが簡単にそのまま持ち上がり式に収納できる機能がついている点だろう。さまざまなタイプのプログラムが一日に複数企画されているので、素早く簡単に出したり仕舞えたりするため、文字通り「多目的空間」になっている。同じ敷地内には木造のトイレとカフェも併設され、緑の手入れも行き届いている。

トイレ

カフェ

プログラムはさまざまで、一般参加型のディスカッションのプログラムにはじまり、有名建築家などによるレクチャーやパネルディスカッション、映画のスクリーニング、ヨガ教室的なものもある（もちろんアトリエ・ワンの塚本由晴によるレクチャーも9月にある。）興味ある場合は、事前にウェブサイトで、いつどんなプログラムが行われるか調べてから行くと良い（ちなみに月曜と火曜は閉まっている。）

本当はMichael Sorkinのトークでも聞きに行こうと思っていたのだが、すっかり忘れて、行きそびれたので、とりあえず昨日、プログラムの内容に関係なく、ちらっと立ち寄ってみました。私が行った時には、このラボが設置されているスペースを将来どう活用すべきかについて一般の方（といってもこんなの参加する半分の人は建築や都市論を勉強している学生か、建築・都市の専門家だろうが）が話し合うという企画（3時間にわたるプログラムで、私はさすがにそこまで興味がないので、もちろんそんな議論には参加してません）。最終的には、なんらかのプロポーザルをニューヨーク市政府に提出しようと考えているようだ。

ニューヨークのラボが設置されている場所だが、歴史的にも移民や低所得者層が住む地域とされていたところである。しかし数年前から急速にジェントリフィケーションが進み、地価も上がり、中流階級若者向けのおしゃれ地区と変貌を遂げたところである。ラボ自体は古いアパートに挟まれているものの、目と鼻の先には高級マンションが建ち、おしゃれスーパーやカフェ、レストランがその周辺には集まっている。

今年はよく「都市」をテーマとした企画がニューヨークで行われていて、その中心的な場所となるのは、マンハッタンの中でも近年変化が著しい地区の一つでもあるローワーイーストサイドだったりする。都市のあり方について積極的に考えるという姿勢は素晴らしいと思う一方で、ジェントリフィケーションが起こり、低所得者層が大多数追い出された後に、中・上流階級の人達がやってきて、「都市について考えよう」と言い出すという態度って手放しで讃えられるものなのだろうか、と個人的には思ってしまったりする。こういう取り組みは「ローカルな視点」「地元の人々の視点」をいかに汲み取れるかというところが最大の課題である。主催者側もそれなりにその点について考えているだろうが、果たして本当の「ローカルな人」ってまだいるのだろうか。そして本当にこの地区に長年住んでいる人ってこういう企画に参加するだろうか。このラボに来ている人を見てみてもそんな人はほとんどいない。

いかに頭でっかちにならず、新しいプログラムを企画し、新しいアイディアを提案することができるかが、この壮大なプロジェクトが成功するか失敗するかの鍵だろう。まだまだ始まったばかりなので、これからどうなるか楽しみである。

反対側の入り口からの様子

そして、どうやらグッゲンハイムは、これとは別に都市と絡んだが企画「Spotting ( ) NYC」というものを秋に行う。現代音楽作曲家アルボ・パート（Arvo Pärt）とノルウェーの建築家グループ、スノヘッタ（Snøhetta）のコラボレーションのよう。（ちなみに、アルボ・パートは最も素晴らしい映画音楽を生み出してきた作曲家である。）そちらも楽しみである。

Page One: Inside the New York Times

2011-08-14T21:12:00.000-04:00

Page One: Inside the New York Times
Andrew Rossi （アンドリュー・ロッシ）監督

アメリカを代表する新聞、The New York Times（ニューヨークタイムズ）についてのドキュメンタリー映画。二ヶ月ほど前に公開が始まり、もうすぐ終わってしまうところなのだが、今日やっと見に行く事ができた。

この映画では、2007年から2008年にかけて約一年間、ニューヨークタイムズのプレスルームでの様子、特にメディア・セクションの記者・編集者たちの苦闘を記録している。テーマはまさに、このインターネットの時代に、紙媒体の新聞であるニューヨークタイムズはどうやって生き残っていくことができるか、である。ネット社会が進むにつれ、近年アメリカでも、シアトル・ポストやロサンジェルス・タイムズ、シカゴ・トリビューンといった大手の新聞社が倒産・破産し、そしてニューヨークタイムズが倒産するのも時間の問題、とささやかれている。

「ニューヨークタイムズが倒産したら、ニューヨーク、そしてアメリカのジャーナリズムはどうなるのか」と多くの人が思う一方、現実として購読者数の減少や新聞広告収入の落ち込みなどの金銭的問題に直面している。数年前にレンゾ・ピアノのデザインによる美しい新本社ビルが完成したが、数年も経たないうちに、リーマンショックが起こり、ビルを担保にして資金を調達しなければ生き残れない状況にまで陥った。このネット社会において、情報が溢れ、あらゆるものが「無料」のように思われている。しかし、本当に情報は「ただ」なのだろうか。「新聞」はもう消滅してしまうのだろうか。

この映画では、ニューヨークタイムズが新しい時代における「新聞」のあり方を模索している様子を上手く捉え、また同時に、観る者にも問いかけている。ちょうどWikileaksがイラク戦争で民間人を銃撃したビデオをYouTubeに載せた時期からストーリーが始まる。まさに新しいネット社会における情報を提供する媒体の代表であるWikileaksに対して、いわば古い媒体のニューヨークタイムズがどう接するのかは興味深いところであり、この映画のテーマそのものを象徴するかのような出来事である。

ニューヨークタイムズも、ウェブサイトはもちろんのこと、ブログやツイッターなどさまざまなインターネット上のツールを通してニュースを発信している。その一方で、全ての記事をオンライン上で読むには、お金を払わなければならない（今日時点で、無料で読める記事数は5つほどだろうか。実際に新聞を購読している人はもちろん全てのオンライン記事にアクセスできる）。この方針に反発する人もいるだろう。しかし個人的に、信頼性のある情報を得るには、それなりの対価を支払うのは当然事だと考える。ある種、一見「なんでも全ての情報がただで手に入る」状態というのは、恐ろしい事にも思える（YouTubeがある時代、あらゆる映像が「ただ」で見れてしまうのは、映像制作をしている当事者としてかなり脅威であり、YouTubeのおかげで映像の価値というのは下がってしまっているのでは、と思う。質のある映像を制作するにはかなりの費用と労力が伴うにも関わらず、そのことを考えずに、短絡的に「ただで映像作品を見れる」「ただで映像を見よう」と思うのは、かなりおこがましいことではないだろうか。）

話を戻そう。

実は、二ヶ月前にニューヨークタイムズにこの映画についてのレビューが載っていたが、かなり低く評価された。確かに、自社についての映画を高く評価するのもなんだか自社の宣伝のようなので、まぁ、あえて批判的な内容の記事を載せたのかもしれない。そもそも、ドキュメンタリー作品の被写体というのは、その作品を客観的に見る事はできないし、正しい判断ができるはずがない。（あえて、常勤の映画批評記者ではなく、別の記者が書いたというのも、うなずける。）

もともとそのレビュー記事をあまりまともに受け止めていなかったが、実際に見てみると良く出来ている。テーマもしっかりしている一方で、安易な結論にも飛びついていない。いろいろと学ぶものもあるし、見ていて飽きない。David Currをはじめとする登場人物たちもそれぞれキャラクターがあり、面白い作品に仕上がっている。確かに、アメリカの時事問題に詳しくなかったり、ニューヨークタイムズをずっと読んでいないような人だと（私もその一人だが）、たまに何のトピックについて話しているのか把握するのにやや苦労するような箇所もあったが、おそらく一般的な教養のあるアメリカ人ならば、おそらくそんなこともないのだろう。

スタイルは、密着して撮影された映像とインタビュー映像の主に二つの要素から構成される、いわゆる典型的なアメリカのドキュメンタリーのスタイルである。ニューヨークタイムズのレビューではこの手法を批判していたが、しかし、この内容の映画をこのスタイル以外で撮ることは果たして可能だろうか。

テーマがテーマなので、何十年後になっても見る価値のある映画ではないだろうが、今の時代ならではの作品である。ニューヨークタイムズを購読している人には、毎日読んでいる新聞がどうやって作られてるのか垣間みる事が出来るので、おもしろいだろう。

そして、最後に、レンゾ・ピアノのデザインしたこのオフィス空間は美しいと思う（実は一度、実際に見学しに行った事があるのだが、改めて見てみると、やはり良い空間だと思う。）実際の働き心地、使い心地はわからないけども。

The Future

2011-08-08T21:16:00.001-04:00

The Future
a film by Miranda July

If you are a bohemian-type young hipster, you would love this film.

This film by Miranda July, who is known as a performing artist and an indie filmmaker, is about a bohemian-type couple in sort of "mid-life crisis." Sophie (Miranda July) who is a dance teacher for kids and Jason (Hamish Linklater) who has a low-tech job, both in their thirties, have a easygoing life. One day, however, they decide to adopt a injured cat, which changes their life. They realize that, once they adopt a cat, they have to lose freedom which they are enjoying and have to be more responsible. They have a month until the cat comes to their home, they decide to prioritize the freedom that they have now, which means quitting their day jobs and trying to do what they think are meaningful to themselves and pursuing their dreams.

The cat, Paw-Paw, actually never comes. Instead they have to grow to adulthood pondering a meaning of life. Jason, who starts volunteering for a environmental organization that is selling trees, meets a old guy who knows both bitterness and sweetness of life. Sophie at first tries to make 30 dances in 30 days, but instead, she eventually starts seeing a different guy for some reason.

The story gradually becomes a fantasy - a talking cat, a crawling T-shirt, and a talking moon. July successfully establishes her own unique and cutesy world, whether you like it or not.

Again, if you are a bohemian-type person who are living in Williamsburg or Bushwick along the L line in Brooklyn New York, you would live this film. Me? I guess I am not quite such a type (Though I live along the L line, the place where I live is beyond Bushwick).

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The Future
ミランダ・ジュライ監督

夏だからかなぜが映画ネタが増えています。。。

インディペンデント映画監督、そしてパフォーミング・アーティストとして知られているミランダ・ジュライの最新作『The Future』が先週から公開されている。

あらすじ：30代半ばの同棲カップル、ソフィー（ミランダ・ジュライ）とジェイソン（ハミッシュ・リンクレイター）がある日、けがをした野良猫を引き取ることを決心すところから物語は始まる。それまで、ソフィーは幼児向けのダンス教室の先生、ジェイソンはパソコンの電話相談サービスとして働き、呑気な日々を過ごしていた。しかし、猫を飼うということによって、飼い主として責任を持たなければならなくなり、それまで謳歌してきた自由を失うということになるのでは、とふと二人は気が付く。一ヶ月後に猫がやってくる予定になっていたのだが、そこで二人はその残りの一ヶ月を有効的に過ごす決心をする。二人とも仕事をやめ、インターネットも解約し、ジェイソンは木を売る環境保護団体のボランディアを始め、ソフィーは30日間毎日ダンスを作り、そのビデオをYouTubeに載せようと決心する。しかし、物事はそう上手くはいかない。ジェイソンはなかなか木を売る事ができずに、ひょんなことから出会った老人の家へ通うようになる。ソフィーはこれまたひょんなことからある男性と会うようになり、関係を重ねるようになる。

猫は結局、二人の元にやってくることなく、死んでしまうのだが、この猫はある種の「大人になること」の象徴なのであろう。大人になりきれていない二人が、人生のあり方を自分たちなりに改めて考え、自分たちなりに進もうとする。そこに、ジュライ独特のかわいらしいテイストが加わった作品となっている。

この映画の登場人物たちのようなおしゃれな若者達にはまさにうってつけの映画だろう。こういうタイプの映画にはまる人がいるというのはなんとなくわかる。ちょっとおしゃれで、一癖があり、コミカルだけども、一応自分たちなりに人生を問うている。独自の世界観を壊す事なく確立できているので良かった一方で、私にはいまいちピンと来なかったのだが。

Phoebe Washburn: Nunderwater Nort Lab

2011-07-31T20:38:00.000-04:00

Phoebe Washuburn: Nunderwater Nort Lab
@ Zach Feuer
through August 12, 2011

Zach Feuer is presenting a site-specific installation by Phoebe Washburn. She has created "new" unique structures and systems by assembling garbage, scrap wood and cardboard as well as organic matters such as plants, soil and water.

In this show Washburn built a large cylinder-shaped structure in the gallery. It seems like a lab space, but you can never access to the inside. All you can do is just to look through from the small windows. You may see plants and a small kitchen, but it is hard to tell what this space is for and what is going on there.

When I got there, which was almost 15 minutes before the closing time, there was nobody. According to the press release and various reviews, some people (volunteers) were supposed to work or cook or eat in the inside. (So the smell of food should be another clue you can get.)

(Although this show was in collaboration with Mary Boone gallery and different pieces were exhibited there, I couldn't get a chance to see them...)

Phoebe Washuburn: Nunderwater Nort Lab
@ Zach Feuer
8月12日まで

人工的な木片やがらくたと自然な植物や水を組み合わせて、新しい構造やユニークなシステムのあるインスタレーション作品を作るPhoebe Washburnの作品が現在、チェルシーにあるZach Feuerで開催されている。（本当はMary Booneギャラリーとのコラボレション展示企画で、そっちでも作品が展示されていたようだが、結局、見に行く事ができなかった。）

Phoebe Washburnは2008年のWhitney Biennialに参加したこともあるアーティストで、いつも独特の世界観のあるインスタレーション作品を作っている。今回のショーでは、巨大なシリンダー型の部屋をギャラリー内に建てている。その内部は実験室のようではあるのだが、しかし、観客は中に入る事はできない。（私が行った時は、もうギャラリーが閉まる15分前だったので、もう中には誰もいなかったのだが、普段はボランティアの人が、料理したり、食べたり、といろいろ中で活動しているらしい。）所々に窓のようなものがあり、そこから覗いてみることはできるが、中々全体像がつかみにくくなっている。

見えるようで見えないため、観る者は自然と想像力が働いてくる。「一体これは何のラボなのだろうか。。。」と。今後どんな作品を作っていくのか、期待が膨らむ。

New York by Gehry for rent

2011-07-31T19:55:00.000-04:00

フランク・ゲーリーの新しい高層ビル、通称『New York by Gehry』の入居者募集の新聞広告。この広告を見て電話をかけるような人ってどんな人なんだろう。。。

World on a Wire

2011-07-25T21:05:00.000-04:00

World on a Wire (1973)
ライナー・ウェルナー・ファスビンダー（Rainer Werner Fassbiner）監督

「ニュー・ジャーマン・シネマ」の担い手の一人として知られる故ファスビンダー。そのファスビンダーが1973年にテレビ用に作成したという『World on a Wire（Welt am Draht）』が修復され、IFC Centerで一週間限定で上映されている（どうやら去年の春にMoMAですでに上映していたようだが）。

実はこの作品は前編と後編との二部構成で（テレビ用に作られたためか）、上映時間は205分にもなる。この「205分」（つまりほぼ三時間半・・・）という長さのため、かなり見るのを躊躇したのだが（「果たして私はそれほどのファスビンダーのファンだっただろうか。。。」と心のどこかで思いつつ劇場に足を運んだのだが）、意外や意外、見てみると全く時間の長さなどが気にならないぐらいおもしろかった。（また、前編と後編の間にインターミッションが入るので、時間の長さが気にならなかった一因かもしれない。）

この映画はDaniel F. Galouye著『Simulacron-3』という小説が原作になっているようで、そのためかプロットはかなりしっかりしている。そうでなくとも、ファスビンダーの作品は意外と物語展開のテンポは早かったりする。ストーリーもSFサスペンスという感じで、あまり重たさがなく、見ていると「一体、真相はどうなっているのか」「主人公はどうなるのか」というのが気になり、見ていて飽きない。しかしその一方でデカルトやプラトンのように「存在」を哲学的に問いかけている要素もあり、薄っぺらさが全くない。

物語は多少『マトリックス』を連想させられるのだが、しかし、驚くべき事に、この映画は『マトリックス』より25年以上前に制作されている。『マトリックス』を見ていようとも、今でもこの映画は「斬新」と呼ぶに相応しい。

テレビ用のためか、ファスビンダーの他の代表作（『The Marriage of Maria Brown（マリア・ブラウンの結婚）』や『Veronika Voss（ヴェロニカ・フォスのあこがれ）』など）ほど毒々しさや奇妙さ、不気味さというのはないが、それでも、ファスビンダー独自の演出がなされている。「ダンスでも踊っているのか」とでも思ってしまうような登場人物たちの不自然な動き、抑えられた演技（どちらかというと台詞は棒読み）、不思議なカメラワーク、そして鏡などを巧みに用いた映像。リアルさや自然さというのはファスビンダーにとっては否定的なものでしかなく、その不自然さや拙さ（しかしそれは計算された拙さ）が独特の世界観を生み出している。

ファスビンダーだから、救いようのない結末も十分にあり得ると思って、覚悟していたが、そこかテレビ用に作ったためか、ちゃんとすっきりきれいに終わる結末を用意していた（まぁ、3時間半も見ていて、どうしようもない結末なよりは、すっきりハッピーエンドの方が良いのかもしれない。）

"Elliot Erwitt: Personal Best" and "Hiroshima: Ground Zero 1945"

2011-07-23T23:17:00.003-04:00

Elliott Erwitt: Personal Best
@ ICP
on view through August 28, 2011

The International Center of Photography is now presenting the retrospective exhibition of Elliott Erwitt, the France-born photographer. He has worked as both a documentary and commercial photographer, capturing beautiful moments in everyday life in addition to portraits of celebrities. Even if you don't know his name, probably you would recognize some of his works. All of photos are very poetic with full of humor.

Hiroshima: Ground Zero 1945
on view through August 28, 2011

In addition to the Elliott Erwitt show, the ICP is also having a small exhibition titled "Hiroshima: Ground Zero 1945". After the US detonated an atomic bomb at Hiroshima on August 6, 1945, the US government dispatched 1,150 military personnel and civilians, including photographers, to record the destruction of the city and the impact of the bomb, as part of the United States Strategic Bombing Survey. 60 document photographs from this survey are shown in this exhibition, in order of the distance of the site where each photo was taken from the 'Ground Zero', the blast site. Although (or because) those photos were taken for a rather scientific purpose, all of the images were so haunting and heartbreaking, while I have no idea of how American people react to these images.

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Elliott Erwitt: Personal Best
@ ICP
8月28日まで

フランス生まれで、写真家グループ、マグナム・フォトのメンバーでもある写真家、エリオット・アーウィット（Elliott Erwitt）の個展がICPで開催されている。

記録写真と商業写真の両方の分野で活躍し、マリリン・モンローやチェ・ゲバラのポートレート写真でも知られている。しかし一番知られている、そして評価されているのは、日常の何気ない瞬間を詩的かつユーモラスな視点で捉えた作品である。名前は知らなくとも、どこかで見た事があったりする作品が多いのではないだろうか。実際、私は中高生のときにポストカードを趣味で集めていたのだが、彼の作品とは気付かずに（その頃は写真家が誰であるかなんて気にも留めていなかったし）、よく彼の写真のポストカードを買っていたりした（なので、今回見に行って「これも彼の作品だったのか。あれもか。この写真のポストカードも買ったな」という感じだった。）

何気ない風景のはずなのに、詩的でユーモラスで、そして力強い。見応えがある作品、そして展覧会であった。

Hiroshima: Ground Zero 1945

8月28日まで

ICPではエリオット・アーウィット展だけでなく、もう二つ小さい展覧会が開催されていた。そのうちの一つが『Hiroshima: Ground Zero 1945』と題された展覧会。

1945年8月6日に広島へ原爆が落とされた後、アメリカ政府は1,150人の軍人および民間人を広島へ送り込み、街の破壊状況と原爆の威力を記録させた。文章と写真で淡々と記録が残され、最終的には『United States Strategic Bombing Survey（米軍戦略爆撃調査）』の一部として分析がなされることとなった。

この展覧会では700点あるうちの60点の写真が「Ground Zero」、つまり爆心地からの距離に即して並べられている。写真には誰一人と映っていなく、かなり科学的観点で撮られているのだが、余計に不気味さが増している。

何もない焼け野原と破壊された建物しか映っていないのだが、見ていてかなり心が痛む内容であった。アメリカ人がこれらの写真をどう見るかは、正直想像できないが。

Tabloid

2011-07-17T23:52:00.001-04:00

Tabloid

エロール・モリス監督

エロール・モリス（Errol Morris）の最新作『Tabloid（タブロイド）』が金曜日に公開された。

現在、アメリカを代表するそして最も評価されているドキュメンタリー映画監督はエロール・モリスではないだろうか。日本では、マクナマラ元米国国防長官についての映画『フォッグ・オブ・ウォー』ぐらいしか劇場公開されていなく、知名度もあまり高くないが、代表作としてはえん罪事件の真相に迫った『The Thin Blue Line』や、アブグレイブ刑務所でのスキャンダルを扱った『Standard Operation Procedure』などがある。

彼の多くの映画の特徴としては、インタビューと資料映像・再現映像のみで構成されているところだろう（ただ、今回の『Tabloid』では再現映像はなく、資料映像とアニメーションだったが）。今ではテレビなどでも一般的な手法だが、再現映像を使うことは80年代当時はめずらしかったらしく、彼のドキュメンタリー手法がその後のドキュメンタリー映画やテレビ番組与えた影響は大きい。

そしてインタビュー撮影でも彼独自の手法が用いられている。一般的なドキュメンタリーのインタビューでは、インタビューに答える人物はカメラを見る事なく、カメラの真横に座っている質問者に向かって話しかける（映画文法の基本として、映画に登場する人物はカメラを見てはいけないことになっている。）しかし、モリスの映画に登場する人物はみな、カメラに向かって語りかけている。モリスはインタビュー回答者が自然にカメラ目線で話せるようにするため、「Interrotron」という装置を生み出した。通常テレビニュースなどではカメラレンズの前にハーフミラーが設置されていて、そこに原稿などが映し出されるようになっている。そうすることで、アナウンサーは手元ではなく、カメラレンズを見ながら原稿を読む事ができるのだ。この装置はプロンプター（英語ではteleprompter）と呼ばれるのだが、モリスはこの技術を応用して、カメラレンズの前にお互いの顔が映し出されるようにしたのだ。すると、お互いの顔を見ながら、かつカメラ目線で話ができるようになる。モリスは、登場人物がカメラ目線で物語を語る事で、観客に直接語りかける効果が生まれると考えたのだ。

社会的なテーマの作品が多いモリスだが、今回の映画は『タブロイド』（タブロイド紙とは、日本でいうスポーツ紙のこと）というそのタイトル通りゴシップな内容のため、社会的でありつつも、実にコミカルになっている。また、ちょうどイギリスではタブロイド紙がハッキングのスキャンダルが注目を浴びていて、みごとなタイミングである。

今回の題材は、1977年にイギリスで起きた元ミス・ワイオミングのブロンド美女がモルモン教宣教師を誘拐し、ベッドにチェーンで縛り付け、レイプしたという事件である。もちろん私は全く知らなかった事件だが、当時イギリスではかなり話題を呼び、連日タブロイド紙の表紙を飾ったようだ。

主人公はこの事件の容疑者Joyce McKinney。彼女がこれまたかなりのキャラクターである。幼い頃からミスコンテストに優勝する事を目指し、ミス・ワイオミングになった人物なのだが、実はIQが168あるという（一般的にブロンド美女は馬鹿という先入観があるが）。映画の中で、実際に何が起きたのかを「彼女の視点から」語ってくれるのだが、かなり表情そして感情豊かな人物で、ユニークでありながら、チャーミングでもあり、彼女のインタビューだけでもかなり面白い。彼女がこれほどのキャラクターの持ち主でなかったら、この映画は成立しなかっただろうし、またこれほどのキャラクターだからこそMorrisも彼女についての映画を撮ろうとしたのだろう。

さらに、このMcKinneyはこの誘拐レイプ事件だけではなく、他にもタブロイド紙をにぎわす事を数年前にやっている。死んだ飼い犬のクローンを韓国で作ったのだ。

この映画ではMcKinneyが事件の顛末（彼女はレイプ事件とはもちろん思っていなく、ただの「ラブストーリー」だと主張している）、保釈後どうやってイギリスからアメリカに逃げたのか、そしてその後どうやってタブロイド紙に追いかけられ、さらにセンセーショナルな報道をされ続けたのか、その後の彼女の人生と、最終的に犬のクローンまで辿り着くのかが描きだされる（レイプ事件とクローンは関係がないようでいて、最終的に点と点が結びついてくるのだ）。ありえない事の連続で、そしてそれが全て一人の人物が引き起こしているので、見ていて飽きる事なく、あっという間に終わる。

もちろん、事件の真相はわからないままである。McKinneyは真実を語っていると主張しながらも、大半の人はもちろん信じていない。タブロイド紙側の人物は、真実かどうかということよりも、話題性に重視し、面白い話をさらに面白くさせようとする。また、被害者本人がインタビューを拒否しているため（まぁ、当然の事だが）、まさに「薮の中」という感じである。

しかし、そもそも「真実」とはなんなのか。McKinneyにとっての真実は ― 例え他の当事者が「それは真実ではない」と思ったとしても ― まぎれもない彼女の「真実」であり、被害者には被害者なりの「真実」がある。「たった一つの真の真実」などは存在しなく、人間の数だけ真実の数がある、というのがMorris監督のスタンスであり、そして隠れたメッセージでもある。

ちょうど今『Invisible Gorilla』という心理学・認知学の本を読んでいるのだが、それがまさに、いかに人間の知覚そして記憶が曖昧かであるということ、そしてその一方でその知覚や記憶が正しいと人間が信じているのかということについて議論していて、映画を見ながら、なおさら何が実際に起こったのかは誰にもわからず、逆にその出来事の当事者それぞれに違った視点そして物語が存在するのだろうなと痛感した。

Midnight in Paris

2011-07-16T10:50:00.002-04:00

Midnight in Paris
ウディ・アレン監督

静かで台詞の少ない単調な映画が好きなのだが、それとはいわゆる正反対なウディ・アレンの映画も実は結構好きだったりする。

ウディ・アレンの映画は好き嫌い分かれるかと思うが、やはり台本がしっかりしていて、台詞がおもしろく、「さすがウディ・アレン！」と思わずにはいられない安定感がある。

実は、恥ずかしながらも、数年前まであまりウディ・アレンの映画をあまり見た事がなかった（いわゆる食わず嫌いな感じ）。ニューヨークに来てしばらくしてから見始めたのだが、「なんでこんな面白い映画を見ていなかったのだろう」と思うと同時に、「ニューヨークに住んでしばらくしたから、彼の映画の面白さがわかるようになってきたのかな」と思ったりした。というのも、ウディ・アレンはやはりニューヨークをいろいろな意味で体現するような人物であり、彼の映画はやはりどこかニューヨークっぽいのである。（特に、ひねくれたキャラクターもどこかニューヨーカーに通ずるものがある。）そして、見慣れた街並や知っているカフェやお店が出てくるとやはり親近感がわくし、既になき数年前のニューヨークの風景が出てくると「ニューヨークはこんなのだったのか」と自分が住む街の知らない側面を知る事が出来て、それはそれでうれしかったりする。

ウディ・アレンと言えば、上に書いたように、「ニューヨーク」と「独特な台詞まわし」で知られるが、単なるコメディー映画監督ではなく、70年代から90年代の作品を見てみると、実は様々なスタイルに挑戦していて、映画手法・映画の作り方に注目してみても、それぞれの作品の完成度が高い。

さて、表題の『Midnight in Paris（ミッドナイト・イン・パリ）』。ここ数年はニューヨークではなく、ヨーロッパで映画を撮るようになったウディ・アレン。しかしこの映画の登場人物たちはまさにウディ・アレンの映画のキャラクターたちそのままである。

あらすじは、脚本家のGil（ギル）が彼の婚約者とともに訪れたパリで不思議な体験をするというもの。ジルはどうやらハリウッドでそこそこ成功している脚本家のようだが、最近はどうやらスランプ気味。そしてフィッツジェラルドやヘミングウェイなどといった「Lost Generation（失われた世代）」と呼ばれる1920から30年代のアメリカ文学者に心酔しているようで、「ノスタルジー」をテーマとした小説に着手している。

ハリウッドを離れ、ノスタルジーな雰囲気が漂うパリにすっかり虜になり、パリでの日々を堪能しようと思っていたジルだが、不本意ながらも、婚約者の保守的な両親やインテリぶった友人カップルに日中は付き合わなければならないはめになっていた。ある晩、ワインのテイスティング会に付き合わされた後、一人酔いをさますためにホテルまで歩いて帰ろうとしていると、突如、古めかしい車がギルの目の前に止まり、いきなり車に乗るようにと促される。訳が分からないまま、車に乗り、連れて行かれた先は20年代の雰囲気がたっぷりなバー。そこではフラッパー（flapper）たちがパリの夜を楽しんでいた。実は、ギルは20年代のパリにタイムスリップしていたのだ。呆然としていると、あるアメリカ人女性から声をかけられる。それはフィッツジェラルドの奥さんであるジルダだった。もちろんフィツフェラルド本人も一緒にいる。その後、フィッツジェラルドとジルダに連れられて別のバーに行くと、そこにはなんとヘミングウェイがいる。憧れの小説家と出会えたことで興奮したギルはヘミングウェイに自分の書いた小説を読んで欲しいと頼む。ヘミングウェイは「自分は読まないが、代わりにガートルード・スタインに読ませるように頼んでやる」と言うではないか。ならばホテルに原稿を取りに行こう、とバーを出ると、そこはもう現代に戻っていた。

次の晩、原稿を持ち、今度は婚約者を連れて、例の車がやってきた場所で待つ事にしたギル。しかし、待てども待てども車はやってこない。しまいには、あきれた婚約者が先にホテルに帰ってしまう。すると、深夜12時の鐘の音が鳴るとともに、車が再びやってきた。今度は車の中にヘミングウェイが座っている。ヘミングウェイとともにスタインの家に向かうと、そこではスタインに絵を見せているピカソまでがいる。そこでピカソの愛人、エイドリアンと出会う。

それからギルは毎晩のように20年代へとタイムスリップし、当時の様々な文化人と出会い（ダリやマン・レイ、ブニュエルまで！）、様々なインスピレーションを受けつつ、同時にエイドリアンと時間を過ごすようになって行く。

それぞれのキャラクターが味があり、また過去の実在人物などもイメージ通りのキャラクターで、キャラクターだけでもかなり見応えがある。タイムスリップなんてあり得ない話だが、キャラクターがしっかり書かれていて、そしてかなりウッディー・アレン節が強いので、気持ち悪いファンタジーではなく、しっかりとしたコメディーに仕上がっている。

そして主人公ギルをOwen Wilsonが演じているが、もうまさに20年前のウディ・アレンとしか思えない（まぁ、ウディ・アレンより断然、容姿が良いので、この主人公が女性にもてても、もっとしっくりくる。）そして、舞台がパリとはいえ、やはりヨーロッパ（とくにパリ）に憧れるアメリカ人とは、実に「ニューヨーク」な感じである（ニューヨークのアメリカ人でヨーロッパかぶれな人は結構多い。）

フィッツジェラルドやヘミングウェイ、ガートルード・スタインなどを知らないと、見ていてもピンと来ない可能性があるが、その時代の文化に興味ある人にとっては嬉しくなるような作品であろう。

Lee Ufan: Marking Infinity

2011-07-14T19:20:00.000-04:00

Lee Ufan: Marking Infinity
@ Guggenheim
on view through September 28, 2011

The Guggenheim is now presenting a retrospective of the Korea-born Japan-based artist, Lee Ufan (by the way, Lee is his last name.)

In the late 60s in Japan a new art movement emerged, “Mono-ha” (‘object school’). Rejecting the ‘Anti-art’ attitudes of the Gutai and other avant-garde movements in Japan, Mono-ha artists tried to create a new Japanese art by shutting out all illusion from the means of artistic expression and returning to objects per se. Mono-ha artists chose stones, wood, sheets of paper and iron plates as their materials, and juxtaposed them to create new relationships between each object or between objects and the spaces surrounding them. The theories of “Mono-ha” were conceptualized and developed by Nobuo Sekine and Ufan Lee.

Lee has been largely influenced by the Western philosophy and art - so that his work is highly philosophical - but at the same time, hie work is very "Japanese" or "Zen". Very quiet but eloquent.

Although I am a fan of Lee's art, this exhibition was a bit monotonous. Maybe because I had seen most of his work and already known his overall career, so nothing was new to me. But also, I assume, because the Guggenheim's spiral gallery space doesn't get along with his art. This spiral space usually works very well when an exhibition has a rather linear structure and it shows some clear development from the beginning to the end. While this show basically exhibits Lee's work chronologically, there are few changes in his work throughout the his career. He conceptualized his idea and established his style at his very early stage, he more or less repeats it (In the 90s he seems to try several things, such as using cottons or painting in a sort of "Abstract Expressionist" way, which did not work well.) Most of his best pieces (or my favorite pieces of his) were created in the 70s.

I don't think it is bad to repeat himself. His art is always very sophisticated, and achieving such a high level of art must require time and patience (somehow I think he is someone like a Zen monk or having a life like Zen monk's.) But his art could be more powerful. Anyway it was amazing to see how he could create a certain 'tension' or 'relationship' between a rock and a metal sheet just by simply placing them on the floor.

Lee Ufan: Marking Infinity
@ Guggenheim
９月２８日まで

李禹煥（リー・ウーファン）の個展がグッゲンハイムで開催されている。グッゲンハイムで個展をした日本人は荒川修作ぐらいであるので、そう考えると、かなりの快挙である（といっても李は日本人ではないけども。）

関根伸夫と共に「もの派」アーティストとして登場し、なおも第一線で活躍し続けている。70年代のアーティストで未だに生きていて、変わらず今でも評価が変わらない人は李ぐらいではないだろうか。

展覧会は、基本となるスパイラル状の展示室には年代を追うように作品が並べられ、それ以外の展示室では、閉じられた空間を上手く生かした展示をしている。

彼の作品は大体知っているので、そう新鮮味のある内容ではなかったし、やはりグッゲンハイムのスパイラル状の展示室と彼の作品はあまり相性が良くないと思う。思想やスタイルを早い時期に確立し、その軸があまりぶれる事なく、同じような作品を制作するタイプのアーティストなので、年代順に作品を並べると、どうも単調になってしまう。年代ごとに作風やテーマが顕著に変わる作品を作るアーティストならば、ドラマティックかつ明確なストーリーができあがるので、グッゲンハイムのようなスパイラル状の展示室でも効果的な展示になるが、そうではないと、どこか物足りなさを感じてしまう。

李禹煥の作品をよく知らない人にとっては見応えがあるのでは。石と鉄板を並べただけで、その間になんとも言えない緊張感を作り出せるのはさすがである。

Alexander McQueen: Savage Beauty

2011-07-10T11:14:00.000-04:00

ALEXANDER McQUEEN: Savage Beauty
@ メトロポリタン美術館
8月7日まで

（先月はどうも落ち着かない状態だったので、一ヶ月近くブログを放置してしまっていたが、やっと書き始められるようになりました。）

去年亡くなったイギリス人デザイナー、アレクサンダー・マックイーンの展覧会がメトロポリタン美術館で開催されている。5月から始まったのだが、開始と同時にかなりの話題をよび、展示室に入るにも、一時間待ちという状態である。

もともとファッション展というものを面白いとはあまり思えず、第一、ニューヨークで展覧会を見るのに一時間も列に並んでみるのはどうも気が乗らないので、ずっと見ないでいたのだが、さすがにこれほど話題になっている展覧会を無視するのもどうかな、と思い、昨日やっと見て来た。

「週末でも朝一番で行けば空いているだろう」と思い、土曜にも関わらず早起きし、朝一番で向かった。しかし、9時半開館のところ、9時45分ぐらいに到着したのだが、驚く事に、すでに特別展示室前に列が作られていて、入場制限が始まっている。この時期は観光客が多いし、観光客は朝早くから行動するものの、びっくりである。さすがに10分程度待てば展示室に入れたのだが（朝一番でも10分「も」待ったのだが）、展示室内もかなり混雑している。なんだか日本の美術館での人気特別展のようだ。

さて、「これほど人気のファッション展はどんなものなのだろう」と思って見てきたが、予想以上にかなり見応えがあった。マックイーンについては名前程度しか知らず、彼について詳しい人ならばまた違った見方をするのだろうが、ファッションに詳しくない人でも楽しめる内容であった。おそらくマックイーンのデザインや思想が奇抜であるために見応えがあるのはもちろんなのだが、美術館側の展示の仕方も成功していると言える。単なるファッション・デザイナーとして扱うより、むしろ一人のアーティストとして扱い、彼独自のユニークな哲学と、それに対する独創的なアプローチを丁寧に紹介しながら、かなり趣向をこらした展示空間を創り上げていた。

「Savage Beauty」と題されているが（「残酷な美」「野蛮な美」とでも訳すのだろうか）、ファッション界の異端児、鬼才であったマックイーンの世界観を表すのにぴったりの言葉ではないだろうか。少し列に並んで待ってでも見る価値のある展覧会であるだろう。

The High Line

2011-06-11T22:05:00.000-04:00

The second section of the High Line was finally opened to the public a few weeks ago. Although it was never a perfect weather for enjoying a park - it was foggy and drizzly - many people visited to walk the new park.

先日、ハイラインの第二セクションがオープンしたので、今日、見て来ました。

ここ数日、連日30度を越えるような真夏日が続いていたのが一転、今日は霧雨が降り、かなり涼しい天気でした。なので、決して「公園日和」ではなかったのですが、オープンしたばかりとあってか、やはり大賑わい。

The first section is from Gansevoort Street (right next to the entrance of the park is the site for the new Whitney museum building) to 20th Street. The second section extended from there to 30th Street.

One of the attractions (?) is the condo called "High Line 23" on 23rd Street, designed by Neil Denari, LA-based architect. This project became well known since its early stage as a project specially planned together with the High Line project. It was a valuable experience to witness the process even for a person who is not in the architecture field like me.

第一セクションはGansevoort Street (入り口のちょうど横あたりに、新しいホイットニー美術館の建物が建てられる予定）から20番ストリートまでだったのだが、第二セクションはさらにそこから30番ストリートまで伸びている。

このセクションでの目玉の一つはやはり、23番ストリートに立つニール・デナリ（Neil Denari）がデザインした「High Line 23」のコンドミニアムであろう。このハイライン・プロジェクトに合わせてデザイン・設計された建物として、デザイン時点からかなり注目されていたが、実際に実現化されるのを目撃するのは、建築の素人であっても興味深いプロセスでもあった。

The building, I guess, is not fully finished yet so that there was no tenants there. It might look different once tenants move in.

まだ完成していないのか、まだ建物は空の状態。実際に人が住み始めたりしたら、また違った印象を与えるだろう。

View of 23rd Street from the High Line

You will find the old rail remained at various points.

鉄道高架跡を利用して作られている公園なのだが、意図的にところどころに古い線路のレールが残されている。

Towards the end of the second section the park makes a curve.

第二セクションの終わりにさしかかる辺りはちょうどカーブしている。

The above photo is the site of the third section.

上の写真は第三セクションの部分（完成時期は全く未定。）

The view of the curved part from the street level.

ちなみにカーブしている部分を下から見るとこんな感じ。

もっといろいろな風景が見られるのだが、それはまた別の機会に。

Trailer for "NAKAGIN CAPSULE TOWER"

2011-06-06T23:17:00.000-04:00

Recently I had a chance (or I needed) to make a 'trailer' of my film "NAKAGIN CAPSULE TOWER" (I could not spend so much time on making this trailer, it is rather a 'teaser' or 'excerpts'.) Please have a look:

Also these days I'm working on making trailers/excerpts of films produced by Michael Blackwood Productions, which are viewable on YouTube. Please visit their website or YouTube channel (If you visit the website, please go to "Art Surveys" or "Architecture Surveys".)

Or you can become a fan on Facebook (it is rarely updated though...)

今更ながらですが、去年制作した『NAKAGIN CAPSULE TOWER』の予告編（あまり時間をかけられなかったので、「予告編」と呼べるものでもないのですが。。汗）を作りました。

ここ最近はなにをやっているのかというと、働いている事務所の作品の予告編（というより、ワンシーンを立ち見できるような感じ）を作っています（それ以外の編集もしないとならないのだが）。興味がある方は見てみて下さい。ウェブサイトかYouTubeでみることができます。

そして、さらに興味がある場合は、 Facebookで最新情報をフォローしてみて下さい（更新頻度は低いですが。。。なにせ、私生活でFacebookなどをやらない私が手探り状態でやっているので。。。汗）

The Tree of Life

2011-06-04T11:11:00.000-04:00

The Tree of Life　（邦題：『ツリー・オブ・ライフ』）
a film by Terrence Malick （テレンス・マリック監督）

今、一番話題になっているのは、先日、カンヌ映画祭でパルム・ドールを受賞したテレンス・マリック監督『The Tree of Life』だろう。

テレンス・マリックは70年代に『天国の日々』を製作し当時のカンヌ映画祭で監督賞を受賞した後、20年間、監督業から離れていたため、伝説の映画監督と呼ばれるようになった人物。1998年に『シン・レッド・ライン』で復活し、2005年には『ニュー・ワールド』を制作した。寡作ながらも、一部に熱狂的な人気がある。

先週の金曜日にニューヨークで公開されたので、さっそく初日に劇場に足を運んでみた。

予告編を見る限りは、父子の葛藤をめぐる映像の美しい映画、という印象だったが、実際のところ、あらすじを説明するとなると、それ以上に言いようがなかったりする。というのも、かなり抽象的でストーリーらしいストーリーはほとんどない。物語やドラマを期待して見に行っては裏切られる可能性がかなり高い。むしろ監督自身の哲学なり人生観を彼なりの映画・映像で表現した物としか言いようがなく、言葉で置き換えるのは難しい。

ただ、2時間の映画を見てみても、実はあまり満足感は得られない。「抽象的・詩的すぎて難しい映画」というわけではなく、「抽象的・哲学的・詩的に難解な映画なようでいて、実は中身は大したことはない」映画でしかないとおもう。インテリぶる人は「奥が深い映画だ」などと言ってしまいそうだが、感動するものは何もなかった。

作品の最初の30分を見ている間は、「これはものすごい映画なのかもしれない」と思った。編集の仕方、カメラワークはかなりユニークであり、レベルが高く、計算され尽くされていて、「すばらしい」とまで思った。例えば、クローズアップのシーンでは、焦点距離が短い映像に仕上げ、人物にしか焦点があっていなく、背景が常にぼんやりとしているため、人物と人物を取り巻く環境との間に距離感が生まれ、どこか主観的な映像を作り出している。そしてそれをステディーカム（カメラマンの体にステディカムと呼ばれる機材を取り付けることで、歩きながらの撮影でもその振動がカメラに響かず、滑らかな動いている映像が撮影できる）で撮っている。焦点距離が短いので焦点がすぐにブレてしまいそうだが、そんなこともなく、美しい映像を生み出しているのは脱帽である（ちなみにカメラマンは、映像の評価がかなり高かった『スリーピー・ホロー』や『トゥモロー・ワールド（Children of Men）』を撮ったEmmanuel Lubezki）。

編集も面白く、ジャンプカットを多用し、いわゆる「映画編集の文法」にあえて逆らった編集をしている。そのことで、観る者を意図的に困惑させ、記憶をたぐり寄せようとしているような感覚が生み出されていた。さらに、最初の30分間は時間軸をかなり行ったり来たりしている。そして、時間軸だけではなく、宇宙へ行ったり、逆に細胞レベルの映像へまで飛んだりと、ミクロとマクロで人間の存在を捉える。

ただ、30分過ぎた辺りで、途中、宇宙の映像や地球の起源の映像が続き、「これは環境映画か」などと思い始めたところで、やや熱が冷めてしまった。そして、もしやと思っていたところ、恐竜まででてきてしまう（しかも背景は何故かジュラ紀ではなく、現代？）ので、一気に興ざめだ。

その後、45分すぎぐらいのところで、主人公（ショーン・ペン演じる人物の子供時代）と父親（ブラット・ピット）の物語が始まる。ただ、このシークエンスも明確に物事が描き出される事はなく、どこか断片的であるのが特徴だ。強権的な父親のブラット・ピットとその父親に怯える三人の息子たち。そんな関係に困惑しながらも、マリア様のように優しさであふれる母親。三人兄弟の中でも、次男は際立って美しく、芸術的才能もあり、どこか主人公である長男は複雑な思いを抱えている。子供たちは無邪気である一方で、残酷さをどこかに残し、そうした独特の子供の世界は見事に捉えていた。ブラット・ピットもかなりはまり役であり、上手いが、田舎のプラントで働くような人でありながら、芸術を愛するという設定には限界があるようにも思えた。

しかし、一番の問題は、抽象的でありながらも、父子に複雑な関係があったことを描いた一方で、それを主人公がどう引きずって生きているのか、その後の父子の関係がどうなったのか、全く見えてこないところであろう。憂鬱に仕事するショーン・ペンが（どうやら子供はその後、成人し、建築家になったようだが）たまに登場するだけで、なぜそんなに憂鬱そうな顔をしているのか、親との関係がどうなったのか、何が問題なのかがわからなすぎである。そうこうしているうちに、映像はどんどん抽象的になり、ユタ州にあると言われる塩の砂漠で、ブラット・ピットやショーン・ペンや子供時代の次男や母親なり、様々な人がさまよっているようなシーンで終わる。

ただ、思ったのは、こんな映画を実際に製作できてしまうテレンス・マリックという人物はある意味すごいとは思った。かなり製作費用がかかっているであろうに、こんな内容の映画を実現できるというのは、並大抵のことではない。そしてこんなにストーリーのない抽象的な映画を一般映画館で上映できるのは、さすが「伝説の映画監督」と呼ばれるだけのことはある。普通の人ならば、例え同じようなアイディアを持っていたとしても、実際に製作を実現できるのは不可能だろう。

Ai Weiwei's "Circle of Animals/Zodiac Heads"

2011-05-27T23:14:00.000-04:00

Circle of Animals/Zodiac Heads

by Ai Weiwei

@ Pulitzer Fountain at Grand Army Plaza (near Central Park and the Plaza Hotel)

The public sculpture project by the Chinese artist, who is arrested by the Chinese government and is now getting great attention from all over the world, is on view in New York City until mid-July. This project is going to tour internationally afterwards.

According to the website of the project, "designed in the 18th century by two European Jesuits serving in the court of the Qing dynasty Emperor Qianlong, the twelve zodiac animal heads originally functioned as a water clock-fountain, which was sited in the magnificent European-style gardens of the Yuanming Yuan. In 1860, the Yuanming Yuan was ransacked by French and British troops, and the heads were pillaged. In re-interpreting these objects on an oversized scale, Ai Weiwei focuses attention on questions of looting and repatriation, while extending his ongoing exploration of the “fake” and the copy in relation to the original."

If you are interested in Ai Weiwei, you should watch the video produced by PBS:
http://www.pbs.org/wgbh/pages/frontline/ai-wei-wei/

世界的に活躍する中国人現代アーティスト、アイ・ウェイウェイ。挑発的な作品や反政府的な活動でも知られるアーティストだが、ここ最近ずっと中国政府から目をつけられ、ついに先月、中国政府に拘束された。未だ解放されていなく、世界中の美術関係者からその動向がずっと注目されている。

そんな彼のパブリックアートプロジェクト『Circle of Animals/Zodiac Heads』が現在、ニューヨークのセントラルパークの角、プラザホテルの前にある噴水に設置されている。七月中頃までニューヨークに展示された後、世界中を巡回する予定になっている。

この作品は清朝が建設した円明園の水時計の十二支の銅像に由来している。この円明園の銅像は、頭は動物で胴体は人間だったようで、二時間ごとに各動物の口から水が出てくる仕組みらしい。1860年のアロー戦争の際、イギリス軍とフランス軍が円明園へ侵攻した際に、この銅像から頭部が切り取られ、流出・離散してしまった（しかし、真偽のほどははっきりしていないようだが）。

アイ・ウェイウェイはこの銅像と出来事を再解釈し、巨大化させた今回の彫刻作品を作成した。また、彼が長年テーマにしている「本物と偽物」の問題にも関係している作品でもある。

また、PBSによるアイ・ウェイウェイについてのドキュメンタリー番組が下のウェブサイトから見れる。興味ある人にはおすすめ：

http://www.pbs.org/wgbh/pages/frontline/ai-wei-wei/

The Transfinite by Ryoji Ikeda

2011-05-27T22:22:00.001-04:00

Ryoji Ikeda

THE TRANSFINITE

@ Park Avenue Armory

on view through June 11, 2011

Installation work by Ryoji Ikeda, Japanese sound/visual artist. If you love noise music, you would love this piece.

パリ在住の日本人実験音楽ミュージシャン＋ビジュアル・アーティスト、池田亮司による音と映像によるインスタレーション作品。ノイズ音楽が好きな人にはツボにはまるはず。

Echo @ Madison Sq. Park

2011-05-18T20:50:00.000-04:00

Echo
by Jaume Plensa
@ Madison Square Park

Summer is the season for public art! At various places many artworks appear every summer. Madison Square Park is such a place which is known for showing public art in a summer. Madison Square Park Conservancy commissions an artist to create public art work. This year, the Spanish artist, Jaume Plensa, put a 44' high sculpture of a girl's head in the center of the park.

夏はパブリックアートの季節。夏になると様々なアート作品が街中に登場する。マディソン・スクエア・パークも毎夏パブリックアートを展示している。今年はスペイン人アーティストJaume Plensaによる巨大な少女の頭の彫刻作品が公園の真ん中に登場した。

Ground Zero

2011-05-17T20:14:00.000-04:00

After I went to see New Amsterdam Pavilion by UNStudio, I dropped by to see the Ground Zero.

建築ネタが続きます。UNStudioの新しいNew Amsterdam Pavilionを見た後、少し足を伸ばし、グランド・ゼロにも立ち寄ってみました。

The building in the photo above is "Four World Trade Center" designed by Fumihiko Maki, Japanese Architect.

上の写真は日本人建築家の槙文彦がデザインした『Four World Trade Center』である。

The building above is "One World Trade Center." Although originally the idea of the "Freedom Tower" designed by Daniel Libeskind was chosen, the developer did not like the design and the designed has been revised largely. In the end Libeskind withdrew from the plan and the building is now called "One World Trade Center."

上の写真は『One World Trade Center』。ワールドトレードセンター再建案のコンペティションではダニエル・リーベスキンドがデザインした『フリーダム・タワー』案が選ばれたものの、結局、ディベロッパーからそのデザインが気に入られず、度重なるデザインの修正が続けられた後、最終的にはリーベスキンドはフリーダム・タワー建設計画から身を引くこととなり、名前も『One World Trade Center』と変わった。

"One World Trade Center" will be the tallest building in the world, at the height of 1,776 ft. - 1776 is the year the United States Declaration of Independence was signed......

『One World Trade Center』の完成予想図。541メートルの世界最高ビルとなる。（アメリカではメートルではなくフィートが使われているが、フィートにすると1776フィートとなる。アメリカがイギリスから独立した年、1776年にちなんでいるらしい。。。）

New York by Gehry at 8 Spruce Street

2011-05-17T19:35:00.000-04:00

A newly added landmark in Lower Manhattan is the skyscraper building designed by Frank Gehry, which I found is now called as "New York by Gehry".

Whatever people say about him (especially architecture professionals often criticize his architecture), it is true his design is always surprising. This building is popping out even in Lower Manhattan where many tall buildings stand.

フランク・ゲーリーによる高層ビル。高層ビルが集中するローワーマンハッタンに立っているが、そのくねくねとした表面は遠くからでも目立ち、ひときわ目を引く。建つ前までは「どうなるのだろう」と懐疑的に思ったが、意外ときれいに出来上がっているのは驚きである。なんだかんだ言っても、こんなことが実現できてしまうのはゲーリーぐらいしかいないだろう。建築をやっている人達からの評判はいまいちであったとしても、今現在、ゲーリーほど売れているアメリカ人建築家はいないのも事実である。

ちなみにこのビルは現在、「New York by Gehry 」と呼ばれているらしい。

New Amsterdam Pavilion

2011-05-15T23:57:00.004-04:00

A new futuristic pavilion "New Amsterdam Pavilion" designed by UNStudio, Dutch architecture studio, opened on May 12 on the Battery Park in front of the South Ferry Station.

This is a $2.3 million (!) gift from the Netherlands, which will serve as an information center and a kiosk.

バッテリーパークに近未来的な建物が登場した。オランダの建築事務所「UNStudio」がデザインしたパビリオンで、マンハッタンとスタテン島をつなぐサウス・フェリー乗り場のちょうど目の前に設置されている。インフォメーション・センターとキオスクとして使われるようだ。しかし、オランダ政府からの贈り物ということらしいが、その費用はどうやら230万ドルもしたらしい。

Untitled (Lamp/Bear) @ the Seagram Building

2011-05-15T23:35:00.001-04:00

A gigantic yellow bear is now sitting in front of a landmark building.

This piece "Untitled (Lamp/Bear) by Urs Fischer, New York-based Swiss artist is now exhibited to the public on the plaza outside the Seagram building, designed by Mies van de Rohe, on Park Avenue between 52nd and 53rd Streets for 5 months. Christies is going to auction this sculpture off this month.

現在、シーグラム・ビルの前にスイス人アーティストのウルス・フィッシャー（Urs Fischer）による巨大な黄色いクマのスカルプチャーが設置されている。今月にもクリスティーズでオークションにかけられる予定だが、4月末から5ヶ月間だけ、パブリックアートとして展示されたようだ。（ちなみにシーグラム・ビルは建築家ミース・ヴァン・デ・ローエによるモダニズムを代表する建物。）

Cronocaos @ New Museum

2011-05-10T23:57:00.000-04:00

Cronocaos
An exhibition by OMA / Rem Koolhaas
@ The New Musuem
May 7 - June 5, 2011

Last weekend the New Museum organized a festival called "Festival of Ideas for the New City" together with a number of downtown organizations.

I didn't check out this festival so much, and just went to the exhibition titled "Cronocaos" by OMA and Rem Koolhaas at the New Museum. The venue is the place right next to the New Museum, which is used to be a Chinese restaurant equipment store and now the New Museum is currently renovating.

This exhibition was first presented at the 2010 Venice Biennale at the invitation of Kazuyo Sejima, the architect who designed the New Museum's main building. It examines issues of preservation and demotions of architecture buildings. According to Koolhaas, heritage is becoming more and more the dominant metaphor for our lives today—a situation he calls “Cronocaos.”

Koolhass analyzes how our obsession with heritage is creating an artifical re-engineered vision of our memory. While we become emphasizing the importance of preservation more and more, still we are unable to establish a set of coherent strategies or policies. Furthermore architects and designers are usually not engaging in preservation processes. Preservation is an under-examined topic and today's world is wondering in between preservation, construction and demolition.

Preservation/demolition is also an on-going topic of the exhibition space. There you can see some parts from the previous restaurant supply store "preserved", other minimally "renovated."

This exhibition is highly intellectual and it was almost impossible to fully understand, it was definitely a hyper exiting show. (I felt like reading a super thick and difficult philosophy book.)

I was especially interested in this topic since I made a film about the preservation issue of the Nakagin Capsule Tower. And images of the Nakagin Capsule Tower of course appeared in the show.

The visitors were welcome to peel off the sheets of descriptions and images of projects by OMA on the wall.

Below is the interview video of Rem Koolhaas.

Cronocaos
An exhibition by OMA / Rem Koolhaas
@ The New Musuem
6月5日まで

先週末、ニューミュージアムを中心にマンハッタンのダウンタウン地区で「Festival of Ideas for the New City」というフェスティバルが開催されていた。未来の都市のあり方をテーマに様々な団体やギャラリーがアートや建築、都市計画がらみの展示や特別イベント、レクチャーなどを行った。

私はほとんどチェックしなかったのだが、唯一、見たのはこのOMAとRem Koolhaas（レム・クールハース）による展覧会。もともとは2010年のヴェネチア・ビエンナーレで展示されたものであるようだ。「建築の保存と取り壊し」というトピックを鋭い視点で分析しており、とてつもなく濃い内容になっている。

現在、地球上の12％の自然もしくは文化遺産は「保存」「保護」の対象となっており、「過去」を保存がますます重要視されている。そうした現代社会が置かれている状況を、クールハースは「Cronocaos」と呼ぶ。今回の展覧会を通してクールハースは、そうしたcronocaosな社会における人々の「記憶」というのはどうなっていくのか、を探ろうとしている。

建築においても、過去の重要な建築物を保存しようとする動きが強まっているものの、未だに一貫した戦略なり政策というのは構築されていない。また保存というプロセスに建築家やデザイナーはほとんど参加していない状況である。現代社会は保存と建設、そして取り壊しの狭間の中で、確固たる方向性というのを全く見いだせていない。まさに、「建築の保存」というのはさらなる議論が必要とされているトピックであり、

この展示がおもしろいのは、この展示会場自体でも「保存／取り壊し」が現在進行形で起きていることである。ニューミュージアムの建物の真隣にもともとあった中国系のレストラン器具販売店を改装して、将来美術館の一部となるようであるが、会場にはまだ元々のお店の一部が「残され」ている。

かなり知的で難しい展示なのだが、同時にかなり刺激的な内容である。（かなり分厚い哲学書でも読んだような気分になったが。）さすがレム・クールハースはすごい、と思わずにはいられない。

個人的に、去年ちょうど中銀カプセルタワーの保存／取り壊し問題についての作品を作ったので、自分の中でもかなりタイミングのよい内容であり、勉強になった。中銀の写真も結構使われていたりした。

さらに、OMAの過去の建築プロジェクトについての紹介文とイメージを載せたポストカードサイズの紙が壁にかかっており、ぺりぺりとはがして、持って帰ることができるようになっている。

YouTubeにクールハースのインタビュービデオ（ヴェネチア・ビエンナーレで話題なったHans-Ulrich Obristによるインタビュービデオ・プロジェクトのもの）があったので、上に載せてみた。

Williamsburg Bridge

2011-05-10T19:33:00.000-04:00

I walked across the Williamsburg Bridge on Sunday...

週末、ウィリアムズバーグ橋を歩いて渡ってみました（特に深い理由はないのですが。。）

Cave of Forgotten Dreams

2011-05-08T09:36:00.000-04:00

Cave of Forgotten Dreams
ベルナール・ヘルツォーク（Werner Herzog）監督
＠IFC Center

アートや文化についてうんぬん言っているものの、実は、考古学やら遺跡やら博物館で取り上げられるような物には全く興味がない。「想像を膨らませていったらおもしろいじゃない」と人に言われた事があったものの、やはり、正直どうでもいいと思ってしまう。

しかし、そんな私でも『Cave of Forgotten Dreams』を見て、「これはものすごい！」と単純に驚き、そして感動してしまった。まるで子供のように、口をぽかんと開けて見入ってしまった。

フランス南部にあるショーヴェ洞窟（Chauvet Cave）は1994年にフランス人研究者ショーヴェ氏らによって発見された洞窟で、現在知られている中で最古とされる3万2000年前に描かれた洞窟壁画が残されている。

洞窟壁画が発見された直後から、この壁画を保存するために、フランス政府は洞窟へのアクセスを制限している。限られた一握りの研究者のみしかその洞窟の中に足を踏み入れる事はできないのだが、フランス政府は今回、この洞窟壁画のドキュメンタリー映画の製作を、独特なドキュメンタリー作品で定評のあるドイツ人映画監督べルナール・ヘルツォークに依頼した。

今回の映画のすごい点はやはり、3Dで撮られているところにある。ヘルツォークのアイディアなのか、誰のアイディアなのかは知らないが、この洞窟を3Dで撮影しようと考えついたのは賢い選択である。3D効果によって、単に洞窟についての映画を見ているだけではなく、実際に自分自身が洞窟に入っていっているのに近い感覚が得られる。映画としての価値やら、ドキュメンタリーとしての質やらという次元の話ではなく、全く異なる「体験」が味わえるのは初めての事ではないだろうか。

もう一つすごいのは、その壁画のすばらしさもある。歴史的価値を差し引いても、見応えのある絵である。凹凸のある壁に描かれた馬や牛の絵は躍動感があり、不思議な絵である。3万2千年前の人が描いたであろう絵を、フラットな写真などで見るのではなく、直接見るのに近い状態で鑑賞できるのは、なんとも貴重な事である。

この洞窟はいつの時点でか入り口が塞がれたことから、外の環境からの影響を全く受ける事なく、洞窟の中の状態がほとんど変わらない状態で保存されている。3万2千年前の動物の足跡や、絵を描くのに使われた炭の灰が、まるでつい最近の出来事かのように残されている。洞窟内のクリスタルの輝きも見とれるほど美しい。

このドキュメンタリーにはヘルツォークらしさはあまりないものの、それでも所々に彼のスパイスが効いているのが、彼のファンとしてはうれしいところ。不思議な格好をした「エクスペリメンタル人類学者」なる人物が登場したり、香水協会の元理事長をつとめた「香り専門家」が登場したりする（そんな人をこの洞窟に派遣するフランス政府もある意味すごいが）。そしてエピローグでは、この洞窟の近くにある原発にも触れられており（かなりタイムリーなのだが）、人類の不気味なエンディングを予告しているようでも怖い。

3Dやら、テクノロジーを駆使した映像作品を否定的に見てしまいがちだが、こんな作品が作れるのならば、これからはやはり3Dの時代なのかもしれない。少なくとも、例え3Dのテレビがこれから登場する事があったとしても、こういうような3D映画作品は映画館でなければ見る意味はないだろう。

Richard Serra Drawing + Rooms with a View @ The Met

2011-04-28T22:15:00.000-04:00

Richard Serra Drawing: A Retrospective
April 13 - August 28, 2011

Rooms with a View: The Open Window in the 19th Century
April 5 - July 4, 2011
@ The Metropolitan Museum

Finally spring has arrived in New York City. The Metropolitan Museum is one of the best destinations for art lovers in such a season. You can enjoy the sunshine on the entrance staircase and on the rooftop (from April 26 the rooftop show is open,) you can escape from the hot weather temporarily, and after you enjoy the show, you can have a walk in Central Park.

Now the Met is having a unique show of 'drawings' by Richard Serra, American sculptor. Serra's work is typical 'masculine steel' sculpture by a male artist. Richard Serra is notorious for being difficult in addition to his masculine art. But his art is strangely always simple and beautiful and even moving.
This show focuses on his 'drawings'.

Although it said an exhibition of his "drawing", the works exhibited there were rather installation pieces with two dimensional artworks of cloth, paper and black paint. Using these light materials, he has created 'heavy' art.

This show was very simple but more novel one than the other exhibitions for the Met.

Another exhibition focused on the 19th century paintings of rooms with a window. Although there were few famous paintings and it was a bit boring to see paintings of a same motif, it was worthwhile to examine how to combine the inside scene and the outside view, how to light the room, and how to compose in each painting. By framing a scene by a window, and adding another layer to the image, the scenery has become more dramatic.

Speaking of the "Rooms with a View"exhibition, this title reminded me of the film titled "A Room with a View"

Richard Serra Drawing: A Retrospective
4月13日ー8月28日

Rooms with a View: The Open Window in the 19th Century
4月5日ー7月4日
@ The Metropolitan Museum

ニューヨークにもやっと春が到来。天気はまだ不安定なものの、暖かくなってきた。（にしても今年の冬は長かった。。。）そんな春の陽気につられ、外に出て向かった先はメトロポリタン美術館。

現在、鉄を使った彫刻で有名なアメリカ人アーティスト、リチャード・セラのドローイングを特集した個展が開催されている。『ドローイング』というものの、単なるドローイングと異なり、布一面に黒いペンキを塗った平面の作品によるインスタレーション作品と呼べるものであった。素材は布や紙そしてペンキなどと軽いものばかりであるにもかかわらず、「黒」という色によって「重さ」のある作品を生み出している。

リチャード・セラというと、どうしても横柄さと頑固さで悪名高いアーティストというイメージが強く、作品も男性的な力強い彫刻の代表格という感じがあり、常にネガティブなイメージが付いてまわるものの、彼の作品はシンプルで美しく、いつもはっとさせられるものがある。
　
メトロポリタン美術館にしては斬新かつシンプルな展示であった。

もう一つ同時に開催されていた展覧会は窓のある部屋の風景を描いた19世紀の絵画を集めたものであった。有名な作品はあまりなく、窓のある部屋の作品をこうも並べられると途中から少し飽きてきてしったものの、室内と室外の風景の組み合わせや、光の差し込み方、構図などに注目してみて見るとなかなかおもしろかった。特に、窓枠によって風景を囲む事によって、空間的層が増え、自然と物語性が生まれ、ドラマティックな作品になるから不思議である。油彩画より、ドローイング作品の方が見応えある作品が多かった。

関係ないが、タイトルを見て『A Room with a view（邦題：眺めのいい部屋）』という映画をふと思い出した。

gallery shows

2011-04-25T11:21:00.001-04:00

Here are other gallery shows in Chelsea I liked.

Chris Marker: PASSENGERS
@ Peter Blum
on view through June 4, 2011

Peter Blum Gallery is presenting voyeuristic photograph works by Chris Marker, French filmmaker, which captures passengers in metro train cars.

JOSEPH KOSUTH: 'Texts (Waiting for ---) for Nothing'; Samuel Beckett, in play
@ Sean Kelly
on view through April 30, 2011

Joseph Kosuth is an American conceptual artist who is know for his semiotic approach, emerging in the 1970s. Very intellectual work and not easy to understand what his work is about, but even so, very beautiful art.

David Altmejd
@ Andrea Rosen
(this show is over on April 23...)

Andrea Rosen Gallery showed new large Plexiglas sculptures by David Altmejd.

いくつか良かったギャラリー展を簡単に紹介：

Chris Marker: PASSENGERS
@ Peter Blum
6月4日まで

フランス人映画監督Chris Markerによる写真展。地下鉄の乗客の何気ない表情を捉えている。

JOSEPH KOSUTH: 'Texts (Waiting for ---) for Nothing'; Samuel Beckett, in play
@ Sean Kelly
4月30日まで

Joseph Kosuthは文字や蛍光灯などを使うコンセプチュアル・アーティスト。記号論的なアプローチの作品が良く知られている。今回の作品ももちろんコンセプチュアルで、小難しい作品であるが、作品の意図がわからなくても見応えのあるインスタレーション作品。

David Altmejd
@ Andrea Rosen
＊ 4月23日で終了

David Altmejdによるプレキシグラスを使った大きな立体作品（写真上）。PS1でも作品が展示がされていた。よく作り込まれていて、独特の世界観が広がっていておもしろいが、少し気味の悪さも残っていて、個人的にはそこまでツボにはまらず。

Picasso and Marie-Thérèse

2011-04-23T16:22:00.001-04:00

Picasso and Merie-Thérèse
@ Gagosian Gallery (522 W 21st Street)
on view through June 25th

Gagosian is having another "museum" type show and another Picasso show now. It was 2 years ago that Gagosian had an exhibition featuring Picasso's late works, which received a lot of attention (read: Picasso: Mosqueteros). Since then the gallery organized a few museum-quality exhibition of Monet and Lichtenstein. Different from the previous Picasso show, this show focuses on his works during the period he had a secret affair with Marie-Therese, which is one of the most popular themes in Picasso's works.

Picasso is known that he had 9 muses in his life and his painting style changed as he met a new lover. Among his muses - such as Dora Maar, who is a photographer and is know for 'woman in tears', Francois Gilot and Olga who is Picasso's first wife - Marie-Therese is now recognized as his most inspiring muse. In his paintings she is always a very beautiful, happy and sexual woman with full of joy.

For this show, the gallery shows paintings borrowed from museums, including the Metropolitan, MoMA and the Guggenheim, and private collections. Some of them are very familiar, some are rare. Several works never seen in the United States before. Since it is a gallery show, of course you don't need to pay any admission fee, but you can enjoy a museum-quality show. Like Gagosian's previous museum-type shows, most of the works in the show are basically not for sale.

If you are in New York, you had better see it before it gets really packed.

Related past posts:
Picasso: Mosqueteros
Monet @ Gagosian
Roy Lichtenstein: Still Life

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Picasso and Merie-Thérèse
@ Gagosian Gallery (522 W 21st Street)
6月25日まで

ガゴシアン・ギャラリーで、『ピカソとマリー・テレーズ』と題した展覧会が開催されている。ガゴシアンがピカソの晩年の作品を取り上げた展覧会を開催したのは2年前のこと（過去のブログ参照）。この展覧会は、美術館レベル、もしくはそれ以上の質の内容であったため、かなり話題を読んだ。それ以降、「美術館レベル」「美術館的」な展示を数回行ってきたが、再びピカソを取り上げた展覧会を企画した。二年前の展覧会では、ピカソの作品の中でも比較的マイナーとされる晩年の作品をテーマとしていたが、今回はむしろ、ピカソの中でも一番人気があるマリー・テレーズと過ごした時代の作品と取り上げており、かなり「本気」な展覧会である。

ピカソのミューズとされる女性は9人いるとされているが、マリー・テレーズはその中でも最もインスパイアをピカソに与えた女性とされる。多くの女性を描いてきたピカソであるが、マリー・テレーズをモデルとした作品はどれも美しく、絵の中のマリー・テレーズは若さと色気、そして幸せさにあふれている。他のミューズと比べてみると、例えば、ピカソの最初の妻であったオルガは、絵の中ではいつもどこか冷たく無表情であることが多く、さもなければ、かなりデフォルメされて怪獣のように描かれている。マリー・テレーズの後に出会ったドラ・マールは、「泣く女」と例えられるように、泣いていたり、ヒステリックであったり、そうでなくても気の強い女性として描かれている。それに対し、マリー・テレーズは、ただの若いブロンドの女の子とされているが、そうだとしても、彼の作品の中ではいつも静かに微笑み、他のモデルとは比べ物にならないくらい、美しく描かれている。そして私自身のこの時代の作品が一番好きである。

「美術館レベル」「美術館的」な展覧会と上に書いたが、展示されている作品は美術館やプライベート・コレクションから借りてきたものばかりである。メトロポリタン美術館やMoMA、グッゲンハイムなどの美術館からは、見覚えのあるマリー・テレーズをモデルとしたピカソの作品が借りられてきているし、その一方で、あまり見る機会がないプライベート・コレクションの作品も展示されている。アメリカで展示されるのは初めての作品も含まれているようである。ギャラリーというと、基本的に売る事を目的としているが、ガゴシアンはこうした展覧会では基本的に展示作品を販売していない（とはいえ、例外的に販売することもなきにしもあらず、らしいが。）ギャラリーなので、美術館のように入場料はないが、作品を販売しているわけでもなく、一流の作品ばかりが並ぶ。（まぁ、こんなことをするにも、ガゴシアンなりの計算があり、こんなことを余裕でできるのもガゴシアンぐらいであろう。）

過去の関連記事：

Picasso: Mosqueteros
Monet @ Gagosian
Roy Lichtenstein: Still Life

John Chamberlain and Elizabeth Murray at The Pace Gallery

2011-04-17T12:49:00.000-04:00

John Chamberlain
April 15 - June 11, 2011
@ The Pace Gallery (545 W 22nd Street)

Elizabeth Murray: Painting in the 70's
March 31 - April 30, 2011
@ The Pace Gallery (534 W 25th Street)

John Chamberlain

Currently The Pace Gallery is showing two American artists who emerged in the 1970s, John Chamberlain and Elizabeth Murray.

John Chamberlain makes dynamic sculptures with crashed steel (such as from old automobiles) and creates Abstract Expressionist style abstract pieces, which often compared with paintings by Pollock or de Kooning and their gestures. His art shows the characteristics of art in the Post-modernism and industrial age.

In this show his works from the 1980s through 2000s are exhibited.

(By the way, it is also interesting that Gagosian Gallery starts representing Chamberlain from this year and plans to have Chamberlain's show next month at their 24th Street gallery. So maybe this is his last show at the Pace?)

At another gallery space of The Pace, they are showing paintings by Elizabeth Murray, who died 4 years ago, in the 70s, in addition to her last painting "Everybody Knows" which is shown to the public for the first time.

Elizabeth Murray is know for her shaped canvas paintings, in which she has combined Cubism and Pop. In the show you can see how she experimented and how she invented her own unique style.

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John Chamberlain

4月15日―6月11日

@ The Pace Gallery (545 W 22nd Street)

Elizabeth Murray: Painting in the 70's

3月31日―4月30日

@ The Pace Gallery (534 W 25th Street)

John Chamberlain

チェルシーにあるThe Pace Galleryでエリザベス・マレイ（Elizabeth Murray）とジョン・チェンバーレイン（John Chamberlain）の作品が展示されている。二人とも70年代に登場したアメリカを代表するアーティストである。

ジョン・チェンバーレインはスチールをつぶして作る彫刻で知られている。特に、古い自動車をぺちゃんこにした彫刻作品が代表的なものだ。まさに近代以降における工業化社会のアート作品と呼べ、またそのダイナミックさが魅力であるのだが、アートの世界ではそれ以上に、ジャクソン・ポロックやデ・クーニンといった抽象表現主義（Abstract Expressionism）のペインティング作品とよく比較され、まさにそうした抽象画を立体的な彫刻作品にしたアーティストとしてチェンバーレインは評価されている。彼の色使いやスティールのダイナミックな動きは、確かにデ・クーニンやポロックの筆跡のダイナミックさに通じるものがある。

この展覧会では80年代から最近の作品まで展示されている。1927年生まれというから、今年でもう84歳だが、まだ健在のようだ。

（余談になるが、どうやら今年からGagosian Galleryがチェンバーレインを扱うようになった（もしくは、扱うようになる）らしい。来月から24番ストリートにあるガゴシアンのギャラリーでもチェンバーレインの個展を開催するというから興味深い。）

もう一つのThe Paceの会場ではエリザベス・マレイの70年代の作品約30点を展示している。また、マレイは2007年に肺がんで亡くなったのだが、彼女の最後の作品「Everybody Knows」も初めて一般公開されている。

絵画というと、普通は四角いキャンバスに描かれたものとされていたが、マレイは「キャンバスは四角い」という概念を捨て、彼女が描くモチーフの形など様々なキャンバスを作り、組み合わせ、その上に絵を描いた。そのため彼女の作品には、絵画でありながら、彫刻のように立体的な要素を含んでいる。そうした作品は、キュビズムとポップアートを組み合わせたような絵画となっている。

この展覧会では、彼女の初期の作品を通して、どのように新しい試みに挑み、そしてどのように彼女独自のスタイルを確立していったのか見る事ができる。

Bye Bye Kitty!!!

2011-04-11T11:01:00.001-04:00

Bye Bye Kitty!!!
Between Heaven and Hell in Contemporary Japanese Art
@ Japan Society
on view through June 12, 2011

It was 6 years ago when the exhibition titled "Little Boy" was held at Japan Society (although it was before I landed in New York.) The exhibition received great attention and archived a huge success, through which Takashi Murakami and Yoshitomo Nara became known in the New York art scene. In addition, anime and cuteness (or 'kawaii') became keywords to talk about Japanese contemporary art and culture.

As you can tell from the title, this exhibition "Bye Bye Kitty!!!" aims to introduce contemporary Japanese artists and new aspects (or new to the audience unfamiliar with today's Japanese art) of Japanese art, overcoming the impression created by the "Little Boy" exhibition and saying 'bye bye' to the Hello Kitty, the Japan-born character who is a symbol of Japanese Pop and 'kawaii' culture.

Most of the artworks shown there are either creepy, grotesque, erotic, or super-delicate. Actually these elements can be found and common in classic Japanese art. The Japanese grotesqueness or eroticism are slightly different from the Western. Usually the Western concepts are more obvious and explicit, where the Japanese express them in rather implying and evocative ways.
The artists featured in the exhibition are:
Makoto Aida, Manabu Ikeda, Tomoko Kashiki, Rinko Kawauchi, Haruka Kojin, Kumi Machida, Yoshitomo Nara, Kohei Nawa, Motohiko Odani, Hiraki Sawa, Tomoko Shioyasu, Chiharu Shiota, Hisashi Tenmyouya, Yamaguchi Akira, Miwa Yanagi, Tomoko Yoneda

The curator of this show is David Elliot, who is the former director of Mori Art Museum in Tokyo. He might be one of the best persons to curate such a show and his selection of artists are right. Many of the artists featured in the show are not so unknown to foreign art markets though they are quite successful in Japan (of course, some of them, such as Rinko Kawauchi, Chiharu Shiota, Miwa Yanagi and Tomoko Yoneda, are very active in the United States and Europe.)

The exhibition is worthwhile to see and it succeeds in introducing the current Japanese art scene to New York. You can see characteristics in Japanese art and tell how it is different from American or European art. Some of them are very unique and some are very surprising. Especially detail-oriented works are amazing. But, probably because I've known about some of the artists and actually have seen some of the pieces before, it is hard for me to say that the show was very impressive. Also if you compare to American art, they usually don't have deep or theoretical concepts behind, while in the American art field they prefer more conceptual work, which might not satisfy American audience.

The most disappointing piece was Chiharu Shiota's. I've seen her work once before in Chelsea and since then I've been always interested in her art. Actually the work I most looked forward to seeing in this show was her work. There she presents a piece of a white wedding dress with several transparent plastic tubes coming through the dress and in the tubes bloody red liquid moves. But it was just grotesque. It did not have the delicateness or heaviness or deepness that her art usually has.

Tomoko Shioyasu's piece was very beautiful and impressive, whose work I've never seen before. Beautiful installation using cut-paper and light. It was also nice to see Nawa's crystal deer sculpture.

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Bye Bye Kitty!!!

Between Heaven and Hell in Contemporary Japanese Art

@ Japan Society

6月12日まで

ジャパン・ソサエティで始まった現代日本人アーティストに焦点を当てた展覧会。6年前に話題を呼んだ『Little Boy』展が開催され（その時はまだ私はニューヨークにいなかったが）、日本アニメブームも相まって、ニューヨークでの村上隆や奈良美智の知名度が一気に上がった。そしてそれ以降、「日本の現代アート＝村上隆」「日本の現代文化＝アニメ」もしくは「かわいい」というイメージが定着している。

この展覧会では、タイトルからも伺えるように、そうした「アニメ」や「かわいい」というイメージを覆すことを目指し、日本現代アートの持つ異なった側面を紹介する内容になっている。今回展示されている作品の多くは、どこか不気味さ、グロテスクさ、エロス、もしくは逆に繊細さや儚さを持ったものである。それは日本が伝統的に持つ文化的要素でもあり、日本独特のものであったりもする。もしくは、グロテスクな作品はアメリカやヨーロッパにあったとしても、そのグロテスクさが日本独特のグロテスクさであったりする。西洋のグロテスクさはどこか露骨であるのにたいし、日本のグロテスクさというのはその露骨さではなく、隠れていた物が表に少しずつ出てきてしまったという感じ、隠されたグロテスクさという感じがあるのではないか。

この展覧会のキュレーターは森美術館の初代館長をも務めたデイビット・エリオット氏（David Elliott）という。参加アーティストは会田誠、池田学、樫木知子、川内倫子、荒神明香、町田久美、奈良美智、名和晃平、小谷元彦、さわひらき、塩保朋子、塩田千春、天明屋尚、山口晃、やなぎみわ、米田知子。

はずれることなく、手堅い人選であろう。多くのアーティストは日本で評価を確実に得つつも、ニューヨークではほとんど知られていない（川内倫子はニューヨークでも賞を受賞したり、やなぎみわや塩田千春も作品を展示した事は何回かしているが。）

見応えはそれなりにあるし、日本の現代アートシーンを紹介するという点では良かっただろう。作品を見ながら、「日本っぽいアートだな」となんとなく感じる事ができるし、多くの作品はニューヨークにはないような作品ばかりである。ただ、珍しい側面も見受けられるし、細かい技巧的なものは「さすが、日本人」と思うほど、すごいものもあるが、心に残るほどの作品というのはいまいちなかったかもしれない（もしくは、単に私が見た事あるような作品が多かったからかもしれないが。）

特に残念だったのは、塩田千春の作品。以前、ニューヨークのギャラリーでも作品を見た事があり、それ以外の作品も素晴らしいものが多かったため、とても期待して見に行ったのだけども、今回の作品は「え、これ？」と正直、がっかりさせられるものだった。白いウェディングドレスにチューブが何本も通されていて、そのチューブの中を血のような赤い液体が流れている。彼女独特のグロテスクさというのは確かに感じられるが、期待していたような、繊細さや切迫感、重厚さというのがなかった。（以前、PS1で作品を展示した事があるらしく、ニューヨークタイムズでのレビューでも、「その時の作品と比較して、今回の作品はがっかりさせられる作品だった」といった内容が書かれていた。）

今回初めて見てとても良かったのは、塩保朋子の作品。切り紙を使ったインスタレーションなのだが、とても細かい模様を手作業で切り取り、光を当てると、きれいな光のインスタレーションができあがる。名和晃平の作品も今回初めて実際に見る事ができた。

Certified Copy

2011-04-04T22:39:00.002-04:00

Certified Copy
a film by Abbas Kiarostami
@ IFC Film

Another mesmerizing film by the Iranian master, Kiarostami.

A French female art dealer living in Tuscan met a British male writer who wrote a book about copies and authenticity in art. While they wander around a beautiful town where couples promise (and dream of) everlasting love, the viewers wonder the meaning of copy and authenticity, of everlasting love, and of reality and fiction.

From when the cafe owner misunderstands the man is the woman's husband, a mysterious game starts (or maybe from the very beginning of the film?) The woman starts to behave as if they are a long-married couple, and the man also gradually starts to behave like her real husband. Or are they a true couple? Or, even if they are just a copy, their relationship seems to be much more true and more authentic.

It was so masterful how to slowly and gradually transit from an 'original' to a 'fictive' world. I felt like I was gradually pull into a mysterious world.

It was also very interesting that he discusses the issue of copy and authenticity of art through a film which is a reproductive art form that has no 'original'.

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Certified Copy（邦題『トスカーナの贋作』）
アッバス・キアロスタミ監督

キアロスタミがまた美しい作品を生み出した。

いつもフランス資本で映画を製作しているキアロスタミではあるが、今回は初めて母国イラン以外の国で製作した作品である。主演のジュリエット・ビノシュはこの作品でカンヌ映画祭の主演女優賞を受賞した。

物語は英国人文筆家が、新しく出版したアートにおけるコピーと本物をテーマとした本について講演しに、トスカーナの街にやってくる。そこで、骨董品屋を営んでいるフランス人女性と出会う。二人は、若いカップル達が永遠の愛を誓う町へと向い、午後の一時を楽しむことにした。

しかし、立ち寄ったカフェの女主人が、男と女を本当の夫婦であると勘違いをしたところから、物語は不思議な展開をし始める。女はまるで本当の夫婦であるかのように振る舞い始め、そのうち、男も彼女の本当の夫であるかのように振る舞うようになる。本当の夫婦でしか成立しないような会話を続けるようになる二人。アートにおけるコピーと本物について、真実そして永遠の愛について、人生観について、夫婦関係について、親子関係について語り合う。本物の夫婦以上に本物らしい二人。もしくは、彼らは本当に単なる「コピー」の夫婦だったのか？そもそも「本物」とは何なのか？

物語が見ていくにつれ、次第に不思議な世界へと引きづりこまれ、気が付けば観る者の観念を見事に覆す。無駄のない、計算され尽くされた、しかし偶然をも上手くいかした作品。見せるべきことを巧みに見せ（車のフロントガラスに映る美しいトスカーナの街並）、見せないところは大胆に隠す（登場人物の議論の的となる街中の彫刻）。片意地をはらずに、軽妙にかつ大胆に作品を撮っている。また、海外で撮影すると失敗する映画監督も多い中、上手くイタリアという舞台を活かしつつ、イランぽさを残しているのが良かった（現実と非現実を行き来する感じはイラン映画に多いし、もともとイラン文学にはそうした伝統があったはず。まぁ、キアロスタミはかなり「フランスかぶれ」「フランス受け」する監督であり、イラン国内ではモフセン・マフマルバフと比べると全く人気はないのだが。）

邦題の『トスカーナの贋作』というのはちょっと微妙であるが、きっと色々な思惑があってつけられた和訳なのだろう。英語題は「正式のコピー」「真なるコピー」という意味（作品の中に登場する本のタイトルでもある。）「コピーであっても、真実となりえる。そもそもアートにおいて『オリジナル』なぞ存在しないのでは。『オリジナル』はどこに存在するのか。『真実』はどこに存在するのか。」という意味が込められている。

個人的には、「コピーと本物」という問題を、映画という、「オリジナル」が存在しないとされるアート形式にて議論したことがさらにおもしろかった。

Plastic recycled from The Gates

2011-04-04T21:48:00.000-04:00

I helped filming an annual architecture conference at Columbia last week. Messenger bags made of recycled vinyl billboards were given out for free by the sponsor company of the conference, and in that bag I found a very interesting thing. It was a scale ruler, and....

... was made of the vinyl recycled from Christo's "The Gates" project in the Central Park! Christo always insisted on recycling all the material used in the project, and it is nice to see how it was done actually.

先週はコロンビア大学で例年開催される建築のコンフェレンス（学会？）の撮影のお手伝いをしていました。

コンフェレンスのスポンサー企業から出版物なりカタログなりが無料配布されるのがお決まりとなっているのだが、今年はテーマがプラスチックだったためか、カタログではなく、ビニールの街頭広告をリサイクルして作られたメッセンジャー・バッグが配られていました。

そのバッグも良かったのだけども、なによりも興味深かったのは、そのバッグの中に入っていた建築用定規（上の写真）。

よく見てみると・・・「セントラルパークで開催されたThe Gatesプロジェクトで使われたビニール素材を再利用して作られた」と書かれている。そう、あのChristoが2005年に実現したあのThe Gatesプロジェクトのことである。確かに、Christoは「プロジェクトで使用した素材は全て再利用します」といつも主張していたけども、実際にどうやって再利用されているのか、そして本当に再利用されているのか、ということはわからないままだったので、実際にこうしてその実現されているものを手にしてみると感慨深い。

Tara Donovan

2011-03-26T09:29:00.003-04:00

TARA DONOVAN
@ The Pace Gallery
(545 W 22nd Street)
on view through April 9, 2011

Before the show ends, I like to mention this new piece by Tara Donovan.

Tara Donovan is an American sculptor based in Brooklyn, using everyday materials, such as plastic cups and toothpicks, and turning them into new forms. Her sculpture pieces always have some 'organic' structures somehow. Although each material is usually a completely human-made product, each artwork looks like a new living matter that has grown up on its own. This sculpture is made of mylar tape and its silver metallic surface creates beautiful reflections and lights.

At another gallery space of The Pace, she also presented 'drawings' with pins - this show was over a few weeks ago. Although they called the works 'drawings', they also had a 3 dimensional quality. If you look at her 'drawing' from far away, it might look like just a usual ink drawing. But once you get closer, you notice what you thought is ink is actually just a collection pins on the canvas, which generates a new image.

TARA DONOVAN

@ The Pace Gallery

(545 W 22nd Street)

4月9日まで

アメリカ人アーティスト、タラ・ドノヴァン (Tara Donovan) の新作がThe Pace Galleryで展示されている。

タラ・ドノヴァンは日常品 ― 例えば使い捨てプラスティックのコップや爪楊枝など ― を素材として選び、それらを大量に使いながら、新しい形を生み出して作品を制作する。全く人工的な素材であるにも関わらず、まるで苔や微生物が自ら成長して巨大な形状を形成するかのごとく、不思議と有機的である。

今回はマイラーテープ（と、私はマイラーテープがどんな物なのかはあまり知らないのだが）を使用している。このマイラーテープは、彼女の作品でよく使われる素材でもあり、一昨年、メトロポリタン美術館でインスタレーション展示をした際にも、マイラーテープを使っていた。また、アート・フェアなどでも、まさに今回の作品の小型バージョンとでもいおうか、マイラーテープで作られた小さいボールを組み合わせた作品をよく出品していた。

タラ・ドノヴァンの作品は、純粋に見た目が美しい。この作品も、マイラーテープの銀色の表面で光がきれいに反射して、海岸沿いにある氷に覆われた岩が美しくキラキラと光っているようである（よくわからないたとえだけども。）

現在は既に終わってしまっているが、この展示と併せて、同じThe Paceの展示スペース（The Pace Galleryはチェルシーだけでも、3カ所もギャラリースペースを所有している）では『ドローイング』と呼ばれる作品も展示していた。この『ドローイング』の作品は確かにドローイング的側面もあるのだが、いわゆるペンや鉛筆画のようなドローイングではなく、ピンをキャンバスにいくつも突き刺して「描いた」作品である。そのため、平面の作品というより、立体的な作品でもある。遠くから見てみると、確かに、ペンによるドローイングなのかな、と思ってしまうのだが、近づいてみると、ペンによる線もしくは点に見えたものは、実はピン一本一本である。アイディア自体は、聞く分には大したことが内容に聞こえるだろうが、実際に見てみると、使われているピンの量とピンの刺され方のためか、かなり圧倒されるし、また、ピンそれぞれが有機的に動いて描かれているかのように見えるから不思議である。

"NY Cares for Japan"

2011-03-26T08:46:00.003-04:00

New York Cares for Japan
http://nycaresforjapan.com/

This is a website, launched by people I know, listing charity events in New York area and other information of donations to benefit the victims of the earthquake and tsunami in Japan

If you wish to do something to support, it would be useful to you.

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New York Cares for Japan

http://nycaresforjapan.com/

知り合いの方達が、ニューヨーク・エリアでの東北関東大震災のためのチャリティー・イベントや募金についての情報を掲載しているウェブサイトを立ち上げてたようです。今回の地震のために何かやりたい、と考えている方、チャリティーや募金をしたいけども、どうすればいいの、と悩んでいる方には役立つかと思います。

Montreal

2011-03-24T21:33:00.004-04:00

Last week I visited Montreal to attend the International Festival of Films on Art at which I showed my film.

Habitat 67

(I wish I could get closer to see it...

I had to give up since there is no subway access to there

and too far away and too cold to walk up to there.)

Montreal Biosphère, designed by Buckmister Fuller

(This was the former pavilion of the US for Expo 67)

The sculpture by Calder

Musée d'art contemporain de Montréal

The Musée d'art contemporain de Montréal is now having a very good exhibition of Anri Sala, Albanian video/installation artist. He beautifully presents his art.

(The screenings of my film went well. The film I showed was maybe too Japanese to people in Montreal, but I believe some people liked it. I was really impressed that there were so many people coming to see documentary films on art!)

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映画祭に参加するためにモントリオールに行ってきました。

諸事情により5泊6日も滞在する事に（今はカナダドルが意外と高く、しかも物価も高いので、びっくりでした。。）最近はあまり旅行するのは好きじゃないのですが、久々に一人ゆったりできたので良かったのかも（と思おう。）しかし11時間もかけてアムトラック（列車）で行ったので、さすがにそれは厳しかった。。。

バックミンスター・フラーのドームやHabitat 67が見れたのは貴重でした（でもHabitatの近くまでいく交通手段がなく、歩くには遠すぎる＋寒すぎるので、川向こうからしか見れなかったのですが。。。間近で見たかった。）バックミンスター・フラーのドームは美しかったです。

モントリオール現代美術館では、アルバニア出身のアーティスト、アンリ・サラの展覧会が開催されていました。北米では初の大々的な個展。作品を実際に見るのは初めてでしたが、かなり面白い内容でした。展示の仕方や空間の作り方が美しい。

しかし、モントリオールはカナダとはいえ、ケベック州にあるので、主となる言語はフランス語。やはり言葉が通じない環境に身を置くのは辛い。（とはいえ、半分ぐらいの人は、完全にバイリンガルなので、英語もネイティブ・スピーカーのようにぺらぺらだったりするのですが。）オープニング・セレモニーにも出席したのですが、ほぼ全てフランス語、上映される映画（90分）も字幕なしフランス語で、、、しかも一人っきり（苦笑）。「どうしたらよいのか、、、」と思いながら、フランス語に溺れるような経験をしました。（昔、ちょっぴりフランス語を勉強したのだが、もちろん全くわからず。）

自分の映画は他の映画と二本立てで上映されたのですが、その映画もフランス産のフランス語のみの作品な上、70分とやや長め、しかも二回ある上映のうち二回とも私の映画の前に上映される、ということで、二回も70分間、全く理解できないフランス語の映画を見るはめに。。。（ちょっと拷問に近かった。）どうやら二次大戦中のヒットラーに侵略された時代に建てられたノルマンディー海岸の砦についてのドキュメンタリーだったらしいが。。。

地震

2011-03-24T19:50:00.000-04:00

東北関東大震災において被害にあわれた地域の皆様に、謹んでお見舞い申し上げますとともに、被災地の一日も早い復興を心よりお祈り申し上げます。

ブログを続ける前に、一言ぐらい、地震がらみについて書いておいた方が良いかなと思うので少し書いてみます。

地震が起きた直後は、Ustreamで流れるNHKニュースをかじりつくように見て、「自分はここで何をしているのだろう。」とふと自問自答し続けた。中途半端に遠くに住んでいるから、余計に、日本で起こっている事がぐるぐると頭の中を回り続けていた。

最初の数日は全く制作や映画、美術の事などまったくやる気が起こらず（本来ならば編集しなければ間に合わないものがあるので）、自分の無力さを改めて痛感しつつ、がらにもなく、「日本が大変な事態に陥っているにも関わらず、自分は一体何をしているのだ」「自分は社会に対して何か貢献できるのだろうか」などと考えたりした。こんな風に考えたのはおそらく初めてのことであろう。

（自分は、かなりアンチ・ナショナリズムな人間であり、大学時代の途中から「社会から出来る限り距離を置くこと。社会の歯車に可能な限りならないこと。」と決心した（今考えると、青いなと思うが。）日本社会から離れる事が自分の求めていた事の一つであったから、今、ニューヨークにいるわけでもあるし。）

かなり、もんもんとしている状態の中、モントリオールへ映画祭に参加するために行かなければならなく、本来ならばもっと違った心持ちで臨めただろうな、と多少複雑な気持ちが続いたし、今でもやはり「果たして日本の将来はどうなるのだろうか」などということを漠然と考えるのだが、時間が少し経ち、いろいろ考えた結果、一つわかったことがあった。

それは、やはり自分は無力でしかないということと、そして自分は自ら無力である事を選んだという事。この事実は変わらず、そして、今後も変えるつもりはないということ。

そういえば、大学入学したばかりのころは、映画製作をしなかったら、ジャーナリズムの職に付きたいと考えたりもしたし、また社会に貢献できる生き方をしたいとも考えた事もあった（そして、その頃の自分はジャーナリズムは社会にある一定の貢献をすると考えていたし、いまでもそう思っている。）しかし、いろいろと学んだ結果、自分には体制的な日本の企業の中でジャーナリズムに人生を捧げるほどの情熱はないし、才能もないと悟り、また、変により社会を冷ややかに見るようになり、社会や政治とは極力距離を置き、ある種、「わがままに」自分の人生を生きようと決めた。

今回、NHKの番組を眺めながら、ふと「そういや、かつて、ジャーナリズムの仕事をしたいと考えた事があったが、果たしてこうしたテレビ局の記者やカメラマン、ディレクターの仕事を自分が出来ただろうか」などと考えてみると、自分がそんなことをしているとは想像することもできず、自分にそんな仕事ができるとも考えがたく、また自分が実際にやりたいと思える事でもなかった。

そして、チャリティーやボランティア活動が早速にできるほど、私はフットワークの軽い人間でもない。残念ながら。そうした志は心から尊敬するし、募金はしてみるものの、じゃあ自分自らがやるのかどうかという問題となると、どうしても足が立ち止まる。どうしても、考えてしまう自分がいる。

私に出来る事は、自分のすべきことを続けることなのだと思う。美術や映画が無力であること、社会を変える力なんて全くないと言う事は、初めから分かっていた事である。そしてそれが私の選んだ道である。

Pierogi & The Boiler

2011-03-10T19:00:00.003-05:00

Recently I got to know about Pierogi Gallery in Williamsburg through my friend, which became one of my favorite galleries. When I heard about this gallery, I first thought like "A gallery in Williamsburg? A gallery run by an artist? Can't be good. Should be some sloppy gallery showing junk by young artists in Williamsburg/Bushwick. (Ooops!)" But I was completely wrong. (By the way, 'Pierogi' are dumpling in eastern Europe, like Piroshki)

Last month I saw the show of Patrick Jacobs, which was very impressive, the current show featuring Mark Lombardi's work is also very interesting. Mark Lombard is an American conceptual artist famous for diagrams showing various relationships, who died in 2000. In the show, in addition to showing his drawings, his books were brought in there, which shows how the artist got information or what he was interested in, like peeking into his brain. There an interview video shot by someone was shown (some filmmaker seems to making a documentary film about him.)

Also Pierogi is also have another space in Williamsburg, called The Boiler. The Boiler is now temporarily closed, but last Saturday it was specially open to public for showing William Lamson's super ambitious work-in-progress Radio Tower piece.

The artist brought this radio tower in the Boiler from somewhere, folding it into three. (It was a surreal view!) The tower receives a weather radio signal and amplifies vibrations within the structure, and creates a new sound. The artist's intention is to play this tower as a musical instrument and to give a musical performance. Now the artist is trying to find a way to control the sound to 'play' this tower.

The piece is not fully completed yet, but the artist is supposed at the Boiler in April, then it will be exhibited in a museum in Indianapolis.

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最近知ったギャラリーなのだが、ウィリアムズバーグにある Pierogi Gallery がなかなかおもしろい。

最初、「ウィリアムズバーグにあるアーティストが運営しているギャラリー」と聞いた時、正直、全く期待していなかったのだが（近所に住んでいる自称アーティスト達が制作している微妙な作品を展示しているのかと思ったので）、いざ行ってみると、かなり質の高い展示をしている。（ちなみにギャラリーの名前であるPierogiとは、いわゆるピロシキのような食べ物のことらしい。）

先月、初めて行ったときは Patrick Jacobs というアーティストの作品を展示していて、これが結構良かったのだが（壁の小さな穴を覗くと、原っぱのような風景のミニチュアが見える、という作品）、現在開催されているMark Lombard展も見応えがある。Mark Lombardは様々な事象の関係性を図解したようなドローイング作品で知られるアーティストで、2000年に亡くなっている。この展覧会では、彼のドローイング作品だけではなく、彼の部屋にあった本を持ってきて併せて展示したり、過去に撮影されたインタビュービデオも上映されていて、彼の頭の中も垣間みれる感じになっている。（どうやら誰かがLombardのドキュメンタリー映画を撮っているよう。）

Pierogiはウィリアムズバーグにもう一箇所「The Boiler」と呼ばれるギャラリースペースを所有している。現在は諸事情により閉鎖されているのだが、先週末だけ特別に一般にオープンし、来月William Lamsonというアーティストによるパフォーマンス・インスタレーション作品にむけた準備の様子が少し見られるようになっていた。

かなり意欲的な作品で、このアーティストはどっかからかアンテナ塔を持ってきて、このスペースに収めるために、そのアンテナ塔を三等分させ、The Boilerの中に設置したのだ（上の写真を参照）。それだけでもかなり圧巻な光景なのだが（写真では一部分しか見えないが、実際はもっと高い）、どうやらこの塔を楽器のように音を鳴らして、演奏しようということをアーティストは企んでいるようだ。天気予報ラジオ番組のシグナルを受信し、そのシグナルの振動をこのアンテナ塔自体の中で拡大させる事で、新しい音が作り出されるよう（この場所にいたギャラリースタッフの男の子に説明をしてもらったのだが、物理は全く守備範囲外なので、分かったような分からなかったような。。。）現在は、この音の出方をコントロールしようといろいろ実験して模索している段階らしい。

4月にこのThe Boilerで「演奏」イベントを行った後、インディアナポリスにある美術館で半年間ほど展示されるようだ。

The Art Show by ADAA

2011-03-08T19:11:00.000-05:00

今年は時間があまりなかったのと、やや疲れ気味だったので、あまりアートフェア巡りはしませんでした。。（今年は例年以上に新しいアートフェアがあったようだけども。）

The Armory Showに加えて、もう一つ行ったのはADAA（アメリカのアートディーラー協会）が主宰しているThe Art Show。もともとこのThe Art Showは近代作品までを扱うギャラリーが中心なのだが、今年はチェルシー地区にあるような現代作品を扱う大手のギャラリーがこぞってこのアートフェアのみに参加した（例えばDavid ZwirnerやThe Pace、Tanya Bonakdarなど）。会場もPark Avenue Armoryと比較的小規模（特に巨大なアーモリーショーと比べると）なため、程よい大きさ。見に来る人々、アートコレクターの年齢層もやや高く、落ち着いて見ることができる。

若手の作品はほとんど全くないが、巨匠や大御所アーティストの作品がやはり多かった。見た事あるような作品ばかりではあるのだが。

入り口すぐにブースを構えたDavid Zwirner Gallery。

Alice Neelを展示。

The Pace Galleryは中国人アーティストのZhang Huan。

Marian Goodman Galleryはメキシコ人アーティストのGabriel Orozco。

Charles Burchfieldの作品。

The Armory Showにも参加していたRonald Feldman Gallery。

Rachel Whitereadというイギリス人アーティストの作品。

（知らなかったが、女性で初めてターナー賞を受賞したアーティストらしい。）

素材がおもしろい。

James Cohan Galleryにて、Tom Friedmanの作品。

Philip Guston。

Mitchell-Innes & Nashのブース。